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SIOUXSIE SIOUX - SOPROS DE VIDA

Grandes homens, assim como grandes tempos são um material explosivo interior do qual uma força imensa é acumulada (....)

“DISCO DA BANANA”- A OBRA PRIMA IGNORADA

Eu sabia que a música que fazíamos não podia ser ignorada

SEX PISTOLS - UM FENÔMENO SOCIAL

Os Sex Pistols foram uma das bandas de Rock mais influentes da história.

ATÉ O FIM DO MUNDO

Com custos acima de mais dez milhões de dólares, é um filme encantador, artístico, típico das obras de Wim Wenders, realmente, é uma obra fascinante, mais uma certo do diretor alemão.

AFINAL, COMO SURGIU O CINEMA?

Um breve questionamento e historio sobre o assunto.

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WOLF CITY - AMON DUUL II

Wolf City é um dos maiores clássicos do Rock Progressivo. É um álbum que celebra magicamente este gênero musical, e que é foi gravado por artistas imensamente talentosos

sábado, 31 de outubro de 2020

MÚSICA E MAGIA: CONHEÇA A GENIALIDADE DE JAZ COLEMAN

 Por: Juliana Vannucchi

JAZ COLEMAN NASCEU MORTO? 

Convenhamos: o Killing Joke foi um dos grupos mais originais e fascinantes dos anos oitenta. Sua história não se encerrou nessa época, mas esse período foi o apogeu do grupo. A maior parte das pessoas que aprecia o rock oitentista ou que gosta do vasto universo pós-punk certamente tem pelo menos um disco do Killing Joke dentre os seus favoritos – ou, no mínimo, uma música da banda no setlist das preferidas. Neste texto, conheceremos um pouco sobre a história do vocalista desse louvável grupo e veremos quais foram algumas inspirações que o levaram a dar vida ao Killing Joke. 

Jeremy Coleman nasceu na Inglaterra, no ano de 1960. Ele veio ao mundo com o cordão umbilical enrolado em torno de seu pescoço. De acordo com o próprio vocalista, ele “nasceu morto”, mas “para a tristeza de seus inimigos, sobreviveu”. Mal se sabia, naquele instante, que o frágil nenê, nascido sob circunstâncias tão estranhas, acabaria se transformando num multi-instrumentista aclamado e lideraria uma banda histórica...

Apesar dessa peculiaridade em torno de seu nascimento, ele cresceu com boa saúde e durante a infância teve contanto com ninguém mais ninguém menos que o célebre Brian Jones, do Rolling Stones. Apesar disso, Jaz já confessou que antes dos quatorze anos, o Rock And Roll simplesmente não era um gênero musical que fazia parte da sua vida. Mas é claro que com o passar do tempo isso mudou. Na adolescência, depois de fumar seu primeiro cigarro de maconha, surgiu a ideia de formar uma banda. E como seria possível colocar esse plano em prática? Com quem ele poderia contar?

Os primeiros passos do Killing Joke foram dados quando Coleman conheceu Paul Ferguson, baterista e cofundador do grupo. A partir de então, começou a se solidificar um projeto musical esteticamente místico e com um pano de fundo notavelmente intelectual. Segundo o próprio Jaz, ambos liam muito nesse período, e os dois também nutriam um forte e especial interesse por ocultismo e magia. Ainda de acordo com o vocalista, eles estavam predestinados a se encontrar e preparados para formar uma banda revolucionária e que possui uma missão sagrada neste planeta!

De acordo com Coleman, a humanidade está cada vez mais familiarizada com universos paralelos

OCULTISMO, DEUS E MUNDOS PARALELOS: 

Ao longo do tempo, o trabalho de Jaz Coleman no Killing Joke evidenciou o apreço e o conhecimento do músico por temas como ocultismo e magia. Acima já foi citado que, de fato, de acordo com uma menção do próprio vocalista, a banda recebeu influência desses dois universos. Seu envolvimento com forças do além foi crucial para a consolidação de toda a sua vida artística.

Coleman já declarou que acredita na existência do divino, mas que isso não quer dizer que ele crê no conceito tradicional judaico-cristão de um deus intervencionista. Na mesma entrevista em que fez essa declaração, também citou os universos paralelos com os quais a humanidade está cada vez mais familiarizada. O músico também afirmou que nossa concepção acerca do que é o tempo provavelmente será dissolvida em breve. Essas reflexões mostram o quanto Coleman tem a mente aberta para possibilidades metafísicas e questões que estão além dos limites do plano físico.

O vocalista do Killing Joke também já declarou que, embora possa parecer algo insano, ele se lembra de sua encarnação anterior: “Lembro que morei na França e fui guilhotinado. E quando criança eu costumava construir muitas guilhotinas e meus pais nunca conseguiam entender o porquê. Mas em minha encarnação anterior, conheci muitas pessoas que ocupavam cargos importantes no governo francês. Minha primeira esposa se lembrava de mim dessa época, quando tudo começou a fazer sentido. Como parte do meu DNA é do Oriente, as ideias sobre reencarnação são muito normais para mim. E, claro, mais tarde fui nomeado cavaleiro pelos franceses [Jaz foi premiado com o Chevalier des Arts et des Lettres em 2010] de modo que me senti voltando para casa”.

Além disso, ele já revelou que desde o início da adolescência teve conhecimento da bruxaria, fato que acabou por impulsioná-lo para o universo musical: “Bem, a segunda coisa que realmente me afetou profundamente foi o ritual. Minha mãe me mostrou um monte de bruxas fazendo suas cerimônias e explicou que era normal, que era a velha religião do país. Então, quando eu vi as cerimônias cristãs, percebi que as cerimônias eram parte de minhas encarnações anteriores e definitivamente parte do meu futuro. E foi aí que tudo começou a fazer sentido para mim, musicalmente. Dos sete aos treze anos, entreguei-me às tradições da música coral inglesa, que me serviu bem até hoje”.

Coleman é um artista brilhante e o Killing Joke é uma banda extraordinária

O DESAPARECIMENTO DE COLEMAN:

Em meados de 2012, Jaz Coleman fez uma declaração polêmica no Facebook, anunciando com entusiasmo o cancelamento de um show que o Killing Joke faria ao lado de duas grandes bandas, o The Mission e do The Cult, grupos que não pareciam atrair o frontman do KJ. 

Pouco tempo depois disso, Coleman desapareceu. A mídia divulgou a informação sobre seu sumiço, mas não demorou muito para que ele próprio, através de sua conta no Facebook, declarasse que estava bem, vivendo, segundo ele, uma “existência nômade” no Saara Ocidental, para finalizar um álbum solo e um livro.

MISSÃO SAGRADA! 

Em termos gerais, a vasta discografia do Killing Joke é encantadora, embora alguns álbuns possam ser difíceis de ser digeridos, devido ao excesso de experimentalismo e de ruídos. Os discos dos anos oitenta foram os mais aclamados, e essa década foi o período de maior sucesso comercial e público do grupo. Creio que as quatro primeiras produções talvez sejam as melhores e destaco aqui o “Whats This For..!” e o “Fire Dances”, que são álbuns bem sublimes. Nesse contexto discográfico, um fato curioso e válido de menção é que nos anos noventa o Killing Joke conseguiu a proeza de gravar um disco cujos vocais de algumas faixas foram gravados dentro da Pirâmide de Gizé – sim, isso mesmo. O referido álbum chama-se “Pandemonium”. Esse fato, com certeza, foi um marco na história da banda e também de todo o rock!

Coleman, no decorrer de sua trajetória artística, já teve sua própria gravadora e também já escreveu um livro. Além da esfera cultural, possui engajamento socioambiental e, inclusive, já investiu na criação de duas ecovilas, no Pacífico Sul e no Chile. 

Por fim, Coleman é um artista brilhante e o Killing Joke é uma banda extraordinária. Não apenas teve a magia como fonte de inspiração, mas se tornou ela mesma, uma verdadeira obra mágica, capaz de enfeitiçar o ouvinte e o elevar a um estado metafísico diferente do estado natural de vigília. Não é difícil perceber que uma vibração poderosa paira por trás das canções da banda. E isso é ótimo. Na verdade, a música, por si só, já é sempre uma espécie de magia - os entendedores entenderão.

Referências:

https://www.kerrang.com/features/jaz-coleman-when-killing-joke-really-lock-in-theres-this-strange-energy-between-us-all-and-it-was-born-in-magic/

https://www.google.com.br/amp/s/amp.theguardian.com/music/2012/aug/13/killing-joke-jaz-coleman-resurfaces

https://www.google.com.br/amp/s/amp.theguardian.com/music/2012/aug/01/killing-joke-jaz-coleman-missing

https://www.loudersound.com/features/jaz-coleman-revolution-is-the-only-way-well-save-the-human-race

https://www.loudersound.com/features/jaz-coleman-revolution-is-the-only-way-well-save-the-human-race

https://rollingstone.uol.com.br/noticia/lider-do-killing-joke-jaz-coleman-diz-que-poderia-ter-salvo-heath-ledger/

https://www.kerrang.com/features/jaz-coleman-when-killing-joke-really-lock-in-theres-this-strange-energy-between-us-all-and-it-was-born-in-magic/

https://en.wikipedia.org/wiki/Jaz_Coleman


quinta-feira, 29 de outubro de 2020

O FUTURO DA MÚSICA, PANDEMIA, VIAGEM AO BRASIL E COLEÇÃO DE GUITARRAS: UM PAPO INÉDITO COM JAMIE PERRETT

 Por: Vannucchi (apoio: Marinho)

O entrevistado da vez é Jamie Perrett, que desde 2017 se firmou como guitarrista do aclamado músico Peter Perrett, seu pai, que é um dos maiores mitos do Punk Rock britânico e mundial. Com passagens pelas bandas Strangefruit, Babyshambles e Love Minus Zero e tendo subido em grandes palcos da Europa, o experiente Jamie tem construído uma carreira musical sólida e elogiável, e se firma cada vez mais como um músico talentoso e promissor.

1. Jamie, você veio para o Brasil há alguns anos atrás. Quais foram suas impressões sobre o país? O que você mais gostou da sua estadia aqui?

Eu fui ao Rio em novembro de 2014. Ir ao Brasil sempre foi um sonho que eu tive e a viagem não foi decepcionante. Só fiquei triste por não ter tido mais tempo para explorar outras partes do país.

As praias são particularmente bonitas. E também gostei das casas de sucos (com deliciosas frutas exóticas) espalhadas em cada esquina. Adorei particularmente a vibrante e inebriante Lapa - é uma sobrecarga sensorial – marcada pelo som de tambores estrondosos e de pessoas dançando noite adentro, com a tranquilidade e boêmia do topo do morro de Santa Teresa, traçada por suas cores pastel e cafés hippies. Viajei sozinho e fiquei emocionado ao ver como todas as pessoas que encontrei foram amigáveis. As pessoas, para mim, são o que normalmente fazem um lugar e eu conheci algumas pessoas amáveis e divertidas aí - pessoas que tinham sede e fome de vida.

2. Infelizmente, o Brasil está atravessando um momento muito difícil atualmente, mas talvez um dia você possa vir tocar aqui. Esperamos que até lá o Bolsonaro não destrua o país...

Eu realmente espero que sim. Eu sinto que tenho uma alma mais sul-americana do que inglesa! Ouvi dizer que o público daí é incrível. Infelizmente, é muito caro ir para essa parte do mundo. E acho que eu também precisaria de vistos. Espero que um dia de certo! 

É muito triste que déspotas tirânicos e maníacos por lucro e ganância, governem a maior parte do mundo. O capitalismo (para mim) não parece estar funcionando muito bem (risos). Realmente, parece que a sociedade está no ponto de inflexão. Há muito mais frustração e raiva e a divisão entre a esquerda e a direita está crescendo rapidamente. A prevalência da mídia social e o vício em smartphones ajudam a criar um mundo de autômatos zangados, presunçosos e cheios de direitos, que estão sempre gritando um com o outro.

"Seria ótimo se nossos governos apoiassem mais as indústrias criativas considerando quanto dinheiro isso traz".

3. Por favor, nos conte um pouco sobre a sua carreira musical. Você aprendeu a tocar guitarra com o seu pai? Além dele, quais são os seus guitarristas favoritos?

Aos 11 anos, meu pai me ensinou alguns acordes, e isso foi um ótimo começo. Meu pai é mais focado em tocar ritmos e, desde que eu ouvi Hendrix, sempre quis tocar solo.

Comecei uma banda com meu irmão mais velho, Peter J, chamada “The Cunts” (porque é como nosso pai costumava nos chamar) na época em que o Pop britânico ainda estava forte. Recebemos ofertas de gravadoras quando tínhamos 12 anos, mas nossos pais nos aconselharam a não assinar nada, pois estavam preocupados porque provavelmente seríamos vistos como uma novidade. Mais tarde, em 2004, nós (Peter J e eu) nos juntamos à banda "Babyshambles", de Peter Doherty, na qual ficamos durante um curto período. Era muito difícil não se sentir ansioso por conta das viagens de 7 horas continuamente na estrada, então logo saímos da banda.

Em 2005, eu liderei minha própria banda com meu irmão chamada “Love Minus Zero”, e foi hilário e divertido, embora esse grupo não fosse durar muito tempo. Era incrivelmente disfuncional, incendiário e nós todos nos odiávamos! Lançamos um E.P chamado ‘Psychobaby’ e nos separamos logo em seguida. Em 2008 formei uma banda com Jenny Maxwell, uma cantora incrível que ouvi cantando em uma festa em casa – a banda chamava-se "Strangefruit". Lançamos um E.P intitulado “Between The Earth And Sea”, que atraiu a atenção do rádio e da imprensa, o que resultou na oferta de um contrato de publicação com o Rondor (um grupo da Universal Music). A partir de 2015, eu comecei a tocar com meu pai, tocando guitarra em seus 2 álbuns de estúdio que marcaram seu retorno à música, o “How The West Was Won” e o“Humanworld”, ambos lançados pela Domino Records, sendo que no último eu tive um crédito pela produção.

Quanto a guitarristas, eu não costumo ouvir muitos guitarristas para estudá-los. Estou sempre mais interessado em músicas, letras e melodias. Mas eu amo guitarristas que têm uma identidade que você pode ouvir apenas algumas notas de sua forma de tocar e já saber quem são. Meus favoritos seriam: Jimi Hendrix, por levar a arte de tocar guitarra a um novo nível, Peter Green por seu tom e emoção, Richard Thompson por suas improvisações modais, Neil Young e John Fogerty devido ao seu lirismo e fraseado (você pode realmente dizer que eles são cantores).

4. Então faz cinco anos que você toca profissionalmente com o Peter? E antes disso? Você sempre quis ser músico?

Eu sempre toquei eventualmente com o meu pai, mas somente em 2015 nós estivemos, de fato, juntos numa banda. Quando eu peguei um violão pela primeira vez, havia magia e fogo em minhas mãos. Eu não sabia tocar, mas me senti como um jovem bruxo segurando sua primeira varinha, fiquei hipnotizado e parecia muito que aquele era meu destino. Acho que foi a coisa mais natural para mim, na verdade.

5. Qual foi o show mais inesquecível que você já fez?


Pelas questões erradas: um dos primeiros shows que fiz foi como um dos guitarristas do "Babyshambles", de Peter Doherty. Foi em Stoke On Trent. E dez minutos depois de tocarmos, o show acabou em tumulto. As pessoas estavam enlouquecendo, destruindo o local e o público subiu no palco e roubou nosso equipamento - “fãs” corriam pelas ruas com caixa de bateria e pedais de guitarra nas mãos, como se essas coisas fossem algum tipo de troféu. Membros da comitiva pensaram que era algo  “Rock n Roll”. Eu achei muito triste que tocamos por apenas 10 minutos. E tivemos a maior parte do nosso equipamento roubados...

E pelas questões certas: meu recente show solo em León, na Espanha. Foi muito emocionante estar de volta ao palco e neste clima atual. Foi um espetáculo caracterizado pelo distanciamento social e que contou com apenas um pequeno número de pessoas. Mas acabei tocando por 1h 45mins, arrasando de cover em cover. Haha.

6. E você pensa em lançar um álbum solo? Costuma escrever letras?


Sim. É o que eu mais gosto de fazer: escrever e produzir minhas próprias canções. Eu tenho gravado algumas músicas para um álbum e, sim, escrevo. Desde a época da escola tenho esse interesse. Às vezes, com as músicas, você pode pensar em um título ou um par de versos que irá inspirar a direção e o conteúdo lírico da música como um todo ou, na maioria das vezes, tendo a escrever as melodias primeiro e pensar nas letras depois.

7. Bem, tenho certeza que alguns guitarristas lerão essa entrevista, então gostaria de perguntar que modelo de guitarra você usa atualmente. E os pedais? Você tem preferência? Você deve ter uma bela coleção na sua casa...

Eu finalmente consegui a guitarra dos meus sonhos depois de anos e anos economizando dinheiro. É uma Fender Stratocaster 1962 pré CBS, restaurada em vermelho. Foi a primeira guitarra que comprei. A outra guitarra que toco é uma Gibson 345 1970 que meu pai passou pra mim. Obrigado, pai! 

Quanto aos pedais, gosto de alguns pedais Electro-Harmonix. O Memory Boy, Ravish Sitar e Mel 9 são todos muito divertidos! Eu também gosto particularmente do Voodoo Vibe de Roger Mayer (técnico de guitarra de Jimi Hendrix). Para gravar, gosto de  ajustar as válvulas dos meus amplificadores Fender Pro Junior e Vibro King dos anos 90 para tons de overdrive. Eu também uso um Germânio Arbiter Fuzz Face dos anos 1960, um Tubescreamer Ibanez e um raro Fuzz dos anos 70, que não irei revelar. Eu também uso várias máquinas de eco de fita das décadas de 1960 e 1970.

Jamie em ação ao lado pai: dois guitarristas monstruosos!

8. Você pode dar alguns conselhos para quem está aprendendo a tocar guitarra? 

Continue tocando, tente tocar um pouquinho todos os dias e divirta-se. Não tente começar com coisas que são muito difíceis. Seja dedicado nesse tempo diário de treino e não se distraia.

9. Você tocou em León no período da pandemia, certo? Como foi a experiência de tocar ao vivo na “nova forma” normal? Como as pessoas reagiram?

Foi um show realmente comovente. Tem sido uma época estranha e maluca para todo mundo, e a falta de música ao vivo tem sido muito difícil para muitas pessoas. Acho que as pessoas que compareceram ficaram muito felizes em ver música ao vivo novamente. 

10. Você se sente satisfeito tocando assim? Acredita que essas novas experiências serão tão boas quanto eram antes da pandemia? Provavelmente melhor tocar desse jeito do que não tocar...

É muito diferente, mas gostei de tocar desse jeito. De certa forma, o público foi mais grato e receptivo. É claro que é ótimo tocar em locais lotados, mas para tais locais em particular, é difícil garantir que os shows aconteçam dessa nova maneira, enquanto eles lutam para cobrir seus custos. Acho que qualquer coisa é melhor do que nada nesta fase. Seria ótimo se nossos governos apoiassem mais as indústrias criativas considerando quanto dinheiro isso traz.

11. Qual a sua opinião sobre os shows drive-in? Acho que vai ser excelente para a elite, que sempre teve vantagem para aproveitar a arte e a cultura - pelo menos aqui no Brasil será assim. Quem não dirige, quem não pode ter carro e quem é pobre não terá acesso...

Interessante, embora a ideia de assistir a um show sentado num carro não me atraia muito. Além disso, eu não dirijo, então…

12. Recentemente, você postou no Facebook que estava mixando algumas faixas e trabalhando em muitas coisas novas. Você pode nos contar um pouco mais sobre isso?

Finalmente consegui gravar algumas das minhas próprias faixas. E eu tenho 9 músicas gravadas e mixadas. Espero lançá-las em algum momento no início do próximo ano. Infelizmente, a indústria da música está numa situação estranha atualmente e, embora seja super fácil de lançar online, a falta de uma válvula de escape criativa ao vivo é algo  perturbador. Esperançosamente, haverá alguma clareza e um otimismo renovado que virá com o início de um novo ano e haverá alguma luz no final de um horizonte sombrio. Foram alguns meses humilhantes e surreais, mas só precisamos continuar. É a única opção para seguir em frente. Caso contrário, seu cérebro e corpo desligam. Muitos músicos e pessoas criativas podem sentir que suas vozes estão abafadas e mitigadas, mas assim que sairmos dessa situação, haverá um grande apetite por novas músicas e para toda a arte, o que é algo que me ajuda a ficar otimista.





sábado, 24 de outubro de 2020

AS LOUCAS AVENTURAS DO THE JESUS AND MARY CHAIN

Por: Vannucchi e Marinho

O The Jesus And Mary Chain é uma das bandas mais queridas dos anos oitenta. O single “Just Like Honey” encantou e ainda encanta muitos corações ao redor do mundo. Há muita inspiração e talento por trás dessa música. Aliás, inspiração e talento acompanharam os irmãos Reid desde seus primeiros passos. Em relação ao surgimento do grupo, os músicos já revelaram que a ideia de ter uma banda os acompanhava desde 1977, mas de acordo com Jim: “Durou até os anos 80 porque éramos muito preguiçosos”. Já William afirmou que foi a época perfeita, pois “não havia mais músicas feitas com guitarras. Todos estavam fazendo música pop eletrônica”. Mas o duo de cabelos desgrenhados estava prestes a oferecer algo novo para o mundo. A sintonia entre eles parecia propícia para isso. Os irmãos costumavam se dar bem antes dessa época, antes de formarem a banda. A esse respeito, Jim afirmou: “Sempre brigávamos quando crianças, mas alguns anos antes de formar o Mary Chain, nós nos dávamos muito bem. Descobrimos as mesmas músicas de que gostávamos na mesma época, era eu e o William contra o mundo. Mas aos poucos, e é difícil descrever como, tudo mudou. Quero dizer, há uma quantidade limitada de oxigênio que uma banda pode produzir e de repente estávamos discutindo o tempo todo”.

A partir de uma ideia ousada e uma relação sólida, a história do Mary Chain finalmente começou a ser escrita. Inicialmente, a banda contava com Doug Hart no baixo e com Bobby Gillespie na bateria. Jim Reid se tornou o vocalista após perder no cara ou coroa. Nenhum dos irmãos queria ser o frontman, mas precisaram decidir quem aceitaria o desafio e Jim, relutantemente, acabou sendo o vocalista. William chegou a dizer que gostava muito mais da voz do irmão: “Eu era meio que o vocalista no início, mas quando eu cantava usava minha voz anasalada e meu irmão usava a voz da garganta, o que era muito legal!”.

Just like honey. Just like honey. Just like honey. Just like honey...
 

Foi então que o Mary Chain começou a buscar seu espaço. Inicialmente, a própria banda financiou suas primeiras gravações com o seguro-desemprego que os irmãos Reid recebiam após perderem seu trabalho numa fábrica. Antes de lançarem o icônico Psychocandy, que foi o álbum de estreia, o quarteto lutava para achar lugares onde tocar e constantemente alegava ser uma banda de apoio de qualquer show que encontrasse, apenas para fazer sets curtos e então ir embora. E falando nisso, certa vez, quando questionado sobre qual foi a principal influência para criar o álbum Psychocandy para a revista Vogue, Jim afirmou: “Os anos 80... eu não me sentia confortável naquela década. Tudo sobre aquela época era o exato oposto do que gostávamos. Odiávamos tudo que ouvíamos no rádio e por isso fizemos esse álbum”.

Os primeiros shows da banda eram absurdamente violentos e caóticos. Geralmente, incitados pelos próprios músicos e pela sua equipe, os fãs eram incentivados a jogar garrafas e qualquer coisa no palco, chegando a banda a ser chamada pela mídia de “os novos Sex Pistols”. William afirmou depois que, na verdade, detestava o que via: “Eu odeio e desprezo. Nos atrapalha muito quando se trata de conseguir shows e distorce nossa imagem”. Parte de toda essa controvérsia era incentivada pelo gerente do TJAMC, Alan Mcgee, fundador da Creation Records. Inclusive, ele encorajou os rumores de que a banda havia roubado dinheiro e destruído o escritório do diretor geral da WMG. Anos mais tarde, Alan Mcgee foi o responsável por assinar com uma das maiores bandas do anos 90: o Oasis, também liderada por dois irmãos problemáticos.

Além do caos incondicional em cima dos palcos, a história do The Jesus And Mary Chain foi marcada por diversas polêmicas. Uma das maiores discussões envolvendo a banda foi uma declaração de Jim feita durante entrevista para a TV Belga, em 1985, na qual ele mencionou que odiava o Joy Division. Porém, mais tarde, no aniversário de 30 anos do primeiro álbum, o músico esclareceu essa situação: “Eu odeio aquele vídeo. O que acontece é que íamos fazer uma apresentação e de antemão alguém nos disse – esse entrevistador é muito fã de Joy Division, então o que quer que vocês façam, não falem mal dessa banda – e isso era como balançar uma bandeira vermelha na frente de um touro pra nós. Eu não sabia que anos depois as pessoas estariam assistindo, e a verdade é que Joy Division é uma das minhas bandas preferidas”.

Em seu período de estrada, o TJAMC acumulou muitas outras aventuras em sua bagagem. 

E houve mais polêmicas ao redor dos irmãos. Muitos os detestavam com todas as forças. A BBC odiava o grupo. Em 1986, baniram a música “Some Candy Talking” alegando glamorização do uso de heroína. Jim disse: “Ironicamente, é nossa única música que não fala sobre drogas. Eles na verdade não baniram, apenas não tocaram, o que é uma pena, pois aí teríamos vendido várias cópias”. Mas tudo bem. No ano seguinte, “April Skies” chegou à oitava posição nas paradas musicais, o que significava que finalmente iriam realizar o sonho de tocar no “Top of the Pops”. Eles apareceram bêbados para a apresentação, o que levou a um banimento permanente do programa. Sobre o incidente, Jim disse: “Bem, ficamos sentados esperando o dia todo e nunca gostamos de ficar parados, então é isso, ficamos bêbados. Mas não fizemos nada. Nada foi destruído e ninguém foi xingado, mas o fato de ficarmos bêbados no edifício da BBC foi o suficiente para incomodar de qualquer maneira”. Meses depois a edição americana se recusou a passar os vídeos da banda por alegações de “sacrilégio” por conta do nome. O Top of the Pops e a BBC também se recusaram a tocar o single “Reverence”, de 1992, que inclui os versos “Eu quero morrer como JFK/Quero morrer nos Estados Unidos/Quero morrer como Jesus Cristo/Quero morrer numa cama de espinhos”. Jim mais tarde brincou dizendo: “A verdade por trás disso é uma piada, a ideia de banir o Mary Chain da BBC. A BBC nunca tocava nossos álbuns mesmo”.

Mas o fato é que mesmo entre essas tantas confusões, o The Jesus And Mary Chain ia se firmando cada vez mais. Ao longo do caminho, a formação original do grupo se alterou, embora esse detalhe não tenha impedido a banda de produzir alguns álbuns lendários e de fazer shows inesquecíveis. Uma dessas apresentações ocorreu em 1992, quando o famoso festival Lollapalooza incluiu a banda junto com Pearl Jam, Soundgarden, Ice Cube e Red Hot Chili Peppers. Eles odiaram cada segundo dessa aventura. William disse a respeito: “a pior turnê da minha vida”. Na reedição de 2011 do álbum Honey’s Dead, Jim relembra a ocasião: “Quando começou a turnê, o Pearl Jam tinha o álbum número 1 na América. Então lá estávamos nós tendo que subir no palco às duas horas da tarde após a droga do Pearl Jam! Seu cantor costumava subir nas caixas do PA como uma cabra da montanha e todo mundo ficava louco; então chegava nossa vez, e tocávamos parados como idiotas miseráveis, tocávamos algumas músicas e assistíamos todo mundo comprar cachorros-quentes e camisetas do Pearl Jam”. Ele segue recordando a experiência: “Essa foi a primeira semana, pelo amor de Deus! Tentamos fazer o Pearl Jam mudar de horário com a gente, mas eles não quiseram. Tentamos sair da turnê, mas não conseguimos, então apenas tivemos que nos forçar a isso e ficar totalmente bêbados por 12 semanas. Éramos a vergonha da turnê - todo mundo nos odiava e todo mundo odiava nosso comportamento”. Infelizes durante a turnê, os irmãos Reid começaram a brigar mais do que o normal. William estava de tão mau humor que, quando alguém da tripulação do Ice Cube o encharcou com uma pistola d'água, ele tentou começar uma briga com os integrantes da banda. Como resultado, levou garrafadas e ficou totalmente ensanguentado. Depois de descobrir que o Ice Cube e companhia estavam supostamente carregando armas em seu ônibus, William recuou.

Em seu período de estrada, o The Jesus And Mary Chain acumulou muitas outras aventuras em sua bagagem. E também produziu muitos álbuns qualificados. Esse conjunto de fatos certamente justifica as razões pelas quais se tornaram um mito.


sexta-feira, 16 de outubro de 2020

O FANTÁSTICO MUNDO DE DAVID BYRNE

 Por: Juliana Vannucchi
 
David Byrne, o prestigiado vocalista do Talking Heads, nasceu na Escócia, no ano de 1952. Durante a infância, mudou-se para os Estados Unidos, país no qual mais tarde consolidou sua brilhante carreira artística que o projetou para o mundo todo.

Seu destaque no meio musical sempre chamou a atenção e lhe rendeu elogios, e o escocês logo encantou o mundo todo com sua singularidade sonora e experimentos ousados. A música esteve presente na vida de Byrne desde a tenra idade. De acordo com seus pais, aos três anos, ele tocava um fonógrafo e, aos cinco, aprendeu a tocar gaita. Foi também na infância que algumas peculiaridades começaram a fazer parte de seu comportamento. Ele foi diagnosticado com síndrome de Aspenger. Mais tarde, antes de ingressar no Ensino Médio, Byrne já sabia tocar guitarra, acordeão e violino. Apesar da familiaridade do jovem com esses três instrumentos, curiosamente, ele chegou a ser dispensado do coral de escola, pois alegaram que era muito desafinado e retraído... Estavam despachando um dos maiores nomes da Art Rock.  

Mas apesar do seu notável destaque no meio musical, nossa intenção através desse texto é mostrar que o talento de Byrne e sua inventividade sempre estiveram muito além dos palcos e suas contribuições artísticas e culturais merecem ser reconhecidas e contempladas. Vale a pena mergulhar mais a fundo na trajetória desse gênio! E desde já, é importante dizer que sua frutífera carreira se estende muito além dos horizontes que vamos apresentar... poucos músicos foram tão longe e com tanto êxito. 
 
Byrne é um grande admirador da música popular brasileira
 
BYRNE CRIA SUA PRÓPRIA GRAVADORA E SUA PRÓPRIA ESTAÇÃO DE RÁDIO:
 
Byrne inaugurou sua uma gravadora autoral, chamada Luaka Bop, em 1991, em New York. A intenção por trás de sua fundação era dar espaço para bandas e músicos da América Latina. Isso se concretizou e muitos artistas desse continente foram promovidos pela Luaka Bop, sendo que uma dessas bandas nos é bem familiar: Os Mutantes. Aliás, a gravadora teve uma forte inclinação para a música brasileira, que sempre foi de grande interesse para Byrne (as músicas de Moreno Veloso e Tim Maia, por exemplo, também marcaram presença na Luaka Bop, que lançou materiais desses lendários artistas nacionais). Byrne é um admirador da música brasileira e já lançou mais de uma compilação de clássicos com canções populares do Brasil. A esse respeito e se referindo ao seu apreço pela cultura de nosso país, no site oficial da gravadora o artista reflete: “A música popular brasileira desempenha um papel maior na vida cultural do Brasil do que a música popular parece desempenhar em outros lugares. Somente na segunda metade do século XX é que a maioria da população do país se tornou, de fato, alfabetizada. E a grande maioria dos brasileiros ainda vive abaixo da pobreza. Talvez esses fatos contribuam para a importância da tradição oral no Brasil [...] Apesar da pobreza e do isolamento de grande parte do Brasil, a parcela alfabetizada da população é excepcionalmente informada. Eles têm uma consciência aguda dos desenvolvimentos culturais no resto do mundo”. Eis aqui uma ótica a respeito da tradição de nosso país que, por vezes, nós próprios não temos. O frontman do Talking Heads, certa vez, deu uma declaração bem interessante em relação ao logo da gravadora, já que a imagem sempre despertava curiosidade: “É um símbolo maçônico bastante obscuro, vinculado em vários momentos à Trindade dos Illuminati e aos Cavaleiros Templários egípcios. Os cavaleiros eram os guardiões dos segredos da harmonia. Daí a conexão óbvia e apropriada com a música. Mas seu conceito de harmonia era muito maior e abrangente do que o nosso - não apenas abrangendo a harmonia das esferas, dos céus, mas a harmonia dos fluidos internos e forças dinâmicas - e no caso dos Cavaleiros Egípcios, estes eram governados pelos mortos. Os Cavaleiros acreditavam que os mortos são os guardiões dos dias atuais e que nenhuma harmonia pode ser verdadeira e duradoura sem a sua ajuda. O olho do tronco Luaka Bop é o olho de Vilaç Trimegistes, o alquimista balcânico que deu os olhos à sua obra e foi o primeiro a desvendar os segredos dos Cavaleiros Egípcios. A forma e o significado do Olho de Vilaç têm uma relação matemática com a embarcação, ou “coração”, sendo o coração considerado um vaso não apenas para o sangue, mas para os mortos. Os raios, “espinhos” ou pregos que revestem e protegem o vaso foram incorporados durante a Idade Média, acréscimo que se julgou necessário pelo poder do Papado”. Certamente essa revelação abre margem para que se coloque mais um grande nome da música em meio a teorias da conspiração!

Em 2005, percebendo o potencial da internet, David Byrne criou sua própria emissora de rádio. Mensalmente, ele organizava uma lista de músicas de que gostava, passeando por diversos gêneros, como música africana, ópera clássica, trilha sonora de filmes italianos, dentre outras abordagens... Eis aqui mais uma jogada criativa do nosso visionário mestre!
 
Byrne vestindo um de seus tradicionais trajes largos...

E O OSCAR VAI PARA...
David Byrne foi a mente criativa por trás da trilha sonora do longa “O Último Imperador”, um dos filmes mais exaltados dos anos oitenta. Esse feito não é para qualquer um. E além de levar esse tão almejado prêmio para a casa, esse trabalho musical também levou Byrne a conquistar o Golden Globe de melhor trilha sonora.   

E as relações de Byrne com a Sétima Arte não param por aí. Em 1986, ele deu o pontapé inicial em suas aventuras fílmicas, dirigido “True Stories”, que embora tenha se tornado um clássico cult, não obteve sucesso comercial significativo. Daí em diante, sua carreira cinematográfica foi prolífera: dirigiu o documentário “Île Aiye”, filmado na Bahia e cujo foco é o Candomblé. Conforme consta no renomado “The Wall Street Journal”, “o documentário explora a maneira pela qual o Candomblé influenciou a vida diária e a cultura do povo brasileiro na música, arte, religião, teatro, comida, dança, poesia e muito mais (...) Byrne fez justiça a uma cultura maravilhosa”.

O produtor escocês também foi o responsável pelo design e pela discografia de “Stop Making Scene”. Além disso, o frontman do Talking Heads também teve participação colaborativa na produção musical do famoso filme “Wall Street”, de 2010, dirigido pelo célebre Oliver Stone.

DAVID BYRNE EM VERDE E AMARELO - O APREÇO DO MÚSICO POR TOM ZÉ E CAETANO VELOSO:

Numa das vindas de David Byrne ao Brasil, ele adquiriu um apanhado de LPs que levou com ele para os Estados Unidos. Dentre os tantos discos e músicas que passavam por seus ouvidos, algumas prenderam de imediato a sua atenção: tratava-se de faixas como “Mã” ou “Tô”, de Tom Zé, nas quais o músico brasileiro usou sons de liquidificadores, máquinas de escrever e serra elétrica. O encanto de Byrne o levou a entrar em contato com Zé, que nesse período vivia uma das fases mais conturbadas de sua existência, conforme ele mesmo revelou ao Jornal Folha de São Paulo: “Eu estava tão confuso na minha vida que isso só tem explicação na psiquiatria. Como chama aquele negócio que a cabeça racha e você não sabe o que pensa de lá e de cá? Esquizofrenia. Ser afastado do colo da mãe, um artista ser afastado do colo do público… Fiquei doente de todo jeito, estive para morrer três ou quatro vezes. Não tinha doença, era a cabeça que enrolava. Em 85, não digeria nada. Ficava em pé para enganar Neusa (sua mulher), para ela pensar que eu estava vivo. Estômago, intestino, nada funcionava, tudo deteriorado, a pele da mão apodrecendo, alergias. Fui à macrobiótica, me curei com dez dias de arroz”. (Declaração concedida à Alexandre Sanches na Folha de S. Paulo em 2000).

Byrne valorizou Tom Zé de uma maneira que os brasileiros não faziam. Ele enalteceu um artista praticamente ignorado pelo seu próprio povo e em pouco tempo o lançou na cena musical mundial.

Caetano Veloso e David Byrne
Mas é válido notar que Tom Zé não foi o único artista que cativou Byrne. Houve ainda uma apresentação inesquecível de Byrne e Caetano Veloso, ocorrida em 2004, no VMB, da MTV. Foi um momento icônico e inesquecível, marcado por um ataque de fúria do músico brasileiro, que ficou frustrado pelas falhas apresentadas em seu microfone e teve um chilique em cima do palco. Por fim, o equipamento funcionou e eles se apresentaram com maestria. Nesse mesmo ano, o duo tocou junto no Carnegie Hall, em Nova Iorque, e esse show se transformou num álbum antológico intitulado “Caetano Veloso and David Byrne Live at Carnegie Hall”. No encarte, Byrne descreve a singularidade musical de Caetano, demonstrando sua imensa admiração pelo músico brasileiro: “Não vou tentar descrever o que Caetano faz, porque seu trabalho é extremamente variado e não é fácil comparar com ninguém da América do Norte ou da Europa”. E além disso, ele também já subiu aos palcos com Gilberto Gil.

O aclamado vocalista do Talking Heads também já colaborou com muitos outros gênios da música, como o amigo Brian Eno, Fatboy Slim e St. Vincent.

UM AUTOR RESPEITÁVEL:

Ao longo de sua magnífica carreira, Byrne também se aventurou como escritor, sendo bem sucedido nesse meio. E a boa notícia é que podemos encontrar seus livros em português. No catálogo disponível em nosso país, encontram-se: “Diários de Bicicleta” e “Como Funciona a Música”. O segundo, ao longo de suas 397 páginas, dentre outros assuntos, aborda reflexões referentes ao vasto e complexo mercado sonoro e à produção musical e, certamente, é indispensável na prateleira de músicos e amantes da música. Esse livro, em particular, foi bem elogiado desde o seu lançamento, cativando o público e os fãs brasileiros e revelando o lado intelectual de Byrne.

Referências:

https://www.google.com.br/amp/s/brasil.elpais.com/brasil/2016/09/19/opinion/1474289224_588882.html%3foutputType=amp

https://en.m.wikipedia.org/wiki/Luaka_Bop

http://almanaque.folha.uol.com.br/tomze.htm

https://www.google.com.br/amp/s/oglobo.globo.com/cultura/musica/tom-ze-ganha-biografia-italiana-com-prefacio-de-david-byrne-23861372%3fversao=amp

https://www.google.com.br/amp/s/rollingstone.uol.com.br/amp/noticia/david-byrne-revela-por-que-nao-vai-reunir-o-talking-heads/

https://www.google.com.br/amp/s/www.publico.pt/2018/04/20/culturaipsilon/entrevista/david-byrne-somos-apenas-turistas-nesta-vida-mas-a-vista-nao-e-ma-1810799/amp

https://www.google.com.br/amp/s/brasil.elpais.com/brasil/2014/05/01/cultura/1398938213_366136.html%3foutputType=amp

https://www.google.com.br/amp/s/www.tenhomaisdiscosqueamigos.com/2020/07/21/chris-frantz-david-byrne-talking-heads/amp/

https://noticiasdatv.uol.com.br/noticia/televisao/ex-diretor-da-mtv-lanca-livro-e-revela-bastidores-de-piti-de-caetano-2333

https://www.google.com.br/amp/s/www.redebrasilatual.com.br/blogs/2012/05/caetano-veloso-e-david-byrne-juntos-e-ao-vivo-em-cd-historico/amp/

https://en.m.wikipedia.org/wiki/David_Byrne

https://luakabop.com/catalog/brazil-classics-1-beleza-tropical/

http://davidbyrne.com/explore/ile-aiye-the-house-of-life/about

terça-feira, 13 de outubro de 2020

JESSIE EVANS FALA COM O FANZINE BRASIL SOBRE A ATUAL FASE PANDÊMICA NO MUNDO, FORMAÇÕES MUSICAS E SUAS INFLUÊNCIAS DA MÚSICA BRASILEIRA:

Por: Diego Bagatin (tradução - Vannucchi e Marinho)
 
Jessie Evans já é bastante reconhecida por seus discos e shows no mundo afora, e por todos os seus anos de carreira por trabalhos de respeito, desde contribuições com o baterista Toby Dammit até em apresentações de abertura nos shows dos Stooges no ano de 2010. Batemos um papo com a nossa querida compositora e saxofonista sobre diversos assuntos, desde sua fase em Berlim até sobre como alguns fãs de música em geral julgam a liberdade de expressão de certos artistas.

1. Olá, Jessie! Primeiramente, muito obrigado por nos conceder essa entrevista para o Fanzine Brasil. É um prazer estar junto com essa galera produzindo materiais de qualidade com artistas sensacionais assim como você! Como está sendo a sua vida durante a quarentena por aqui no Brasil, o que você mais tem feito durante esse período? No começo de tudo isso, você estava aqui mesmo no país?

Eu estava numa turnê de 7 meses na Califórnia e no México na época do lockdown. Minha intuição era a de que essa poderia ser minha “última chance” de sair daqui para fazer uma turnê e ver a família, e eu estava certa! No início de março as coisas estavam começando a ficar loucas na Califórnia e meus últimos shows foram cancelados. As pessoas começaram a entrar em pânico, comprando toda a comida das lojas e todo o papel higiênico. Estávamos nervosos com a possibilidade de ficarmos presos na Califórnia, mas, felizmente, pudemos comprar a tempo as nossas passagens de volta para o Brasil, pois as fronteiras estavam todas fechando. Chegamos em São Paulo no dia 16 de março e em Ubatuba no dia 18, poucos dias depois do fechamento das fronteiras da nossa cidade e um dia antes do fechamento de todas as lojas. Foi um primeiro mês muito difícil porque a nossa casa ainda estava sublocada e estávamos hospedadas na casa de um amigo que estava fora da cidade e o local em que ele mora é muito isolado, infestado de milípedes, sem wi-fi e sem cozinha. Passei o primeiro aniversário da minha filha Rubi lavando todas as minhas roupas mofadas em um balde na varanda. Comemoramos com um bolo de aveia e banana que eu fiz numa frigideira, só eu e minhas filhas. Foi difícil, mas eu sabia que éramos abençoadas por ter voltado para o Brasil. Tentamos ir à praia algumas vezes, mas as praias foram bloqueadas e um vigilante chamou a polícia por causa de nós. Não poder sair e dar uma caminhada na praia com minhas filhas nos dias de calor era insuportável. Todos na rua olham uns para os outros com desconfiança, temerosos de que vão infectar uns aos outros. É preciso considerar o impacto que esse tipo de bloqueio universal tem sobre a saúde mental e o abuso dentro de famílias onde as pessoas ficam presas juntas em pequenos espaços (ou pior, sem abrigo). 
 
Sou muito grata por estar de volta aqui e apesar do caos do mundo, vivemos na natureza e ainda somos capazes de apreciar uma vida simples. Tem sido um momento muito desafiador para mim, como mãe solteira, já que as escolas fechadas. Ao mesmo tempo, estou precisando trabalhar como  professora, a indústria da música em pausa, então a luta é real. Criativamente, tem sido um momento incrível e me sinto muito inspirada. Estou trabalhando em um novo álbum com o produtor francês Younick do meu último álbum, Heartwave. E estou terminando um disco com Ima Felini (Amantes del Futuro). Tenho aprendido a lidar com o ensino domiciliar da minha filha de cinco anos, que recebe aulas diariamente no WhatsApp. Na maior parte dos dias, estou limpando e organizando minha casa e trabalhando na conclusão de muitos projetos em nossa terra e em muitos projetos de costura. Sou grata por este momento, pois é um momento de profunda limpeza e cura e acredito que este exercício para aprender como ensinar nossos próprios filhos é muito valioso. Percebo agora o privilégio que foi poder colocar minha primeira filha na rede pública de ensino desde que ela tinha 1,5 anos e sou muito agradecida ao Brasil pela creche gratuita. Costumava ter 8 horas por dia para trabalhar em casa. Nunca foi o suficiente! Mas agora minha filha de 5 anos observa a bebê por uma hora para que eu possa trabalhar nas minhas gravações. Limpar, cozinhar, tudo mais normalmente é feito com uma trilha sonora de gritos. Agradeço a este momento pela consciência que me deu sobre o que é necessário para sua educação e no que eu quero educá-la. Sinto que ainda estou na fase de preparação e tento ser moderada comigo mesma nos dias em que não consigo ser a autoridade que gostaria de ser. Mas, percebi recentemente que o mais importante para mim é sua educação espiritual e ensinar certos valores a minhas filhas. No que diz respeito a isso, estou muito satisfeita com o progresso que fizemos.

2. No início do ano, todos nós nem imaginávamos que essa fase em nossas vidas tomaria toda essa proporção do momento. Quando foi o último show que você fez pré-pandemia e quais são suas memórias desses saudosos momentos no palco antes de tudo isso acontecer?

O último show que eu fiz foi no dia 14 de março, no Klub Terminal, nos arredores de Los Angeles. Foi uma noite gótica bem divertida e me lembrou de muito de alguns dos primeiros shows que fiz em turnê quando estava tocando com a banda The Vanishing e com o grupo Subtonix, no final da minha adolescência, perto dos vinte anos. Foi um ótimo final para a turnê de 16 shows de 2019 e, de certa forma, apesar da frustração de ter uma turnê com Vanishing cancelada este ano, me sinto realmente grata por ter algum tempo de folga agora. Eu realmente gosto de fazer shows, mas como mãe devo encontrar equilíbrio entre meus filhos e meus projetos criativos que também parecem crianças! Na verdade, a quarentena e o desastre financeiro que esse lockdown impôs à população não mudou tanto minha situação pessoal. Ser músico profissional tem sido uma forma desafiadora de ganhar dinheiro para mim desde que cheguei ao Brasil e agora não é diferente. Na verdade, é quase um alívio ter a possibilidade de ganhar dinheiro com shows ao vivo fora de questão por enquanto. Realmente parece um momento assustador para a música e para a arte, mas acho que não devemos desanimar. Historicamente, os períodos de turbulência e fascismo sempre foram ótimos para a arte. Dalí disse uma vez: "Liberdade de qualquer tipo é o pior para a criatividade".
 
 
"Eu expresso muito na minha música sobre a libertação, mas também acabo às vezes escondendo o que quero dizer politicamente, porque me preocupo que isso vá alienar as pessoas com visões conflitantes".

3. Nós estamos vivendo em uma era de muita arrogância por parte de comunidades conservadoras que julgam a liberdade de expressão de muitos artistas e bandas em geral. Ao mesmo tempo em que o mundo possui apoiadores de governos conservadores e negam o fato de que música e política podem sim andar juntas, muitos outros músicos por todo o mundo estão manifestando suas posições contra esses governos. Qual a sua opinião sobre os “fãs” desses artistas não terem o conhecimento de que a música em geral é uma forma de expressão para os mais diversos assuntos?

Acredito que a música sempre foi uma das melhores formas de expressão. Especialmente desde a era digital, pois desse modo, mesmo com pouco esforço ela tem potencial para atingir muitas pessoas rapidamente sem muito esforço. É claro que os artistas devem expressar opiniões políticas se quiserem. Sinto que, como artistas, temos a responsabilidade de falar abertamente, de instigar mudanças e de falar abertamente em nome de pessoas que não têm os mesmos direitos. Eu expresso muito na minha música sobre a libertação, mas também acabo às vezes escondendo o que quero dizer politicamente, porque me preocupo que isso vá alienar as pessoas com visões conflitantes. Sempre me lembro de uma entrevista com o cantor jamaicano Alton Ellis. Ele disse que quando era jovem tentou dizer um monte de coisas políticas em suas canções, e acabou se metendo em muitos problemas por isso, e então decidiu continuar escrevendo sobre o amor. Eu concordo com isso de alguma forma. Acima de tudo, acho que o mais importante em escrever é ser honesto, escrever sobre o que você sabe. Portanto, falo com o coração e às vezes visto minhas visões com metáforas para que se tornem mais universais, em vez de referências específicas que podem se tornar irrelevantes com o tempo.
 
 
"Nós temos uma escolha com as coisas com que nos conectamos, no que participamos e em como escolhemos nos expressar. O que atrai cada pessoa é algo muito profundo e pessoal".
 
4. Mudando de assunto, não sei se você já assistiu, mas há uns anos eu assisti “B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin” (2015), que mostra a cena musical da Berlim Ocidental dos anos 90 sob a visão de Mark Reeder. O filme mostrava Berlim totalmente submerso num cenário em que o punk e o pós punk (e o começo de bandas como Einstürzende Neubauten) eram a trilha de fundo pra todas as noites que essas pessoas vivenciavam até o amanhecer. Quais são as suas memórias do tempo que você passou em Berlim nos anos 2000? Ainda havia um cenário forte desses estilos durante essa década?

Eu me mudei para Berlim em 2004 e morei lá até 2013. Fiz muitos amigos e trabalhei com vários artistas da cena dos anos 80 e 90. Fiz uma turnê pela Europa e gravei um álbum com a cantora / saxofonista Bettina Koester (Malaria!) e também trabalhei com Thomas Stern (Neubaten, Crime and the City Solution), além de ter formado uma banda com Beate Bartel (Liasons Dangereuses) e Bettina, com a qual abrimos um show para o Nick Cave. Nesse período entramos para o selo FATAL de Hanin Elias (Atari Teenage Riot) e colaborei com ela. Foi uma época maravilhosa e muito feliz em Berlim. Minhas melhores lembranças são de caminhar ao longo do canal perto de minha casa em Neukoln / Kreuzberg até as piscinas de Princenbad durante o verão, e lembro da vibração nas ruas tão “relaxadas”, as pessoas em sua maior parte, tão calmas e educadas.

5. Em 2018, tive o prazer de ver Toby Dammit tocar no show dos Bad Seeds em São Paulo enquanto ele substituía Thomas Wydler, que estava doente na época do show. Antes de vocês começarem a trabalhar juntos em seus discos, você já o conhecia pessoalmente? Como foi esse contato?

Eu conheci o Toby em Berlim, ele era o companheiro de quarto do meu engenheiro de som, Thomas Stern. Eu e a Bettina o convidamos para tocar bateria conosco em um show local e depois em alguns shows na Califórnia para o Autonervous. Depois disso, ele se juntou comigo para produzir e shows ao vivo para meu primeiro álbum “Is It Fire?”. O primeiro show que fizemos foi em Dublin, na Irlanda e o álbum foi gravado no México e em Berlim. Gravamos meu primeiro álbum solo “Is It Fire?” no México com Pepe Mogt “da produção do Nortec Collective”. Abrimos para A banda Iggy and The Stooges na Alemanha e na França, em Paris na LÓlympia .. e também abrimos para The Gossip, John Spencer Blues Explosion, e tocamos em muitos grandes festivais na Europa. Foi um ótimo momento e tiver uma ótima conexão com ele. Toby Dammit é um dos melhores bateristas e é uma honra e um prazer compartilhado tantos palcos com ele.

6. Antes de você começar a morar no Brasil, como era a sua familiaridade com a música brasileira? Quando nós conseguíamos assistir a shows presencialmente, você via muitos shows de artistas brasileiros por aqui?

Na minha primeira viagem eu adquiri um álbum maravilhoso chamado “FATAL‘ da Gal Costa. E Stan Getz com Astrud Gilberto era um dos meus favoritos porque que eu era uma garota punk de 19 anos tocando meu sax no meu quarto em São Francisco ao som desses álbuns. O último grande show em que eu fui, quando estava grávida da minha primeira filha, foi do Sean Kuti, que se apresentou nas ruas de São Paulo. Foi maravilhoso. Adorei ir a festas de reggae de rua em São Paulo quando cheguei.

7. Vamos conversar um pouco sobre a sua formação musical. Aposto que durante sua vida, você deve ter visto muitos shows sensacionais que foram pilares para sua formação e suas ideias artísticas. Quais foram os shows que você viu, de qualquer fase sua, que foram os pilares para que você entrasse nesse mundo?


Assistir o The Selector quando eu tinha 16 anos foi marcante. Pauline Black é uma das minhas cantoras favoritas de todos os tempos, junto com a Cyndi Lauper e ela me inspirou a entrar no mundo da música. Tocar ao lado de Grace Jones, Nina Hagen, Iggy e The Stooges (particularmente tendo a chance de colaborar e tocar com o saxofonista Steve Mackay) e Getachew Mekuria (saxofonista etíope) foram todas boas lembranças.

8. Por mais que haja pessoas que dizem que uma ou outra época foi melhor que a atual, no mundo todo há bandas surgindo a cada dia e muitas delas andam produzindo sons de qualidade equivalente às bandas antigas. Você acha que ainda falta um devido valor por parte de certas pessoas que negam a qualidade sonora dessas bandas e artistas independentes?

Gêneros de música, arte e as subculturas que eles criam se tornaram muitas vezes mais válidos para a identidade das pessoas do que patrimônio cultural. Eu acredito que é porque esses tipos de raízes são baseados na conexão emocional e na cura, ao invés de linhagem sanguínea. Nós temos uma escolha com as coisas com que nos conectamos, no que participamos e em como escolhemos nos expressar. O que atrai cada pessoa é algo muito profundo e pessoal. Eles são como tribos modernas. Eu acho que é uma coisa linda e vamos ver o que resiste ao teste do tempo e o que desaparece gradualmente.
    
9. Como você definiria a sua música para as pessoas que estão começando a conhecer você e seus álbuns?

Dark Cosmic Tropical Wew Wave, Reggae, World Pop...

10. Já que estamos falando sobre esse assunto, eu gostaria de saber uma última coisa: se você ficasse em uma ilha deserta e pudesse levar apenas três discos, quais seriam?

John Coltrane – A Love Supreme
Wild Belle – Dreamland
Cyndi Lauper - She’s So Unusual (minha primeira fita cassete comprada na sétima série, agora uma das favoritas das minhas filhas e a que eu escolheria para elas).
 

O Heartwave, lançado em 2019, é o álbum mais recente de Jessie Evans


 

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