SUBSTÂNCIA ESCURA: UMA DAS MELHORES NOVIDADES DO PÓS-PUNK NACIONAL

Por: Juliana Vannucchi

A banda autoral Substância Escura, formada em 2018, na capital paranaense, vem conquistando cada vez mais espaço no cenário da música independente brasileira. Os primeiros passos profissionais da jornada do grupo tiveram início quando Wagner Carvalho e Fábio Cunha, amigos de longa data que esporadicamente reuniam-se para tocar covers, decidiram criar uma banda. A dupla, então, convidou Mau Mau para assumir o baixo e, somente após um ano, encontraram o baterista ideal para o grupo, Mateus Theodoro, que tomou conta das baquetas. Há um diferencial em relação à estrutura de formação do grupo: com exceção do baterista, o vocal é, em suma, dividido entre os três outros membros. 

De maneira geral, suas influências musicais navegam por estilos variados, como o Pós-punk e o Indie Rock, e as letras transitam por experiências de viagens, relacionamentos e situações diversas de um cotidiano alternativo e lírico. Em março de 2020, a banda lançou seu trabalho de estreia, o EP homônimo chamado “Substância Escura”, que totaliza cinco músicas. O período pandêmico interferiu na trajetória do grupo e gerou obstáculos. A esse respeito, Wagner comenta: “Havia cerca de seis shows programados na época do lançamento da nossa primeira produção, mas, infelizmente, o país todo entrou em lockdown e, pois isso, não houve promoção física do Substância Escura. Os estúdios também fecharam e os ensaios foram cancelados”. Apesar dessa dificuldade, a banda, assim como tantas outras, se reinventou e passou a participar do mundo digital, participando de festivais online e fazendo uso de plataformas virtuais para a divulgação de seu trabalho. 

 

É um EP que soa bem do início ao fim e que mostra que estamos diante de um grupo de enorme potencial

 

Liricamente, as faixas do EP Substância Escura, em geral, parecem carregar conteúdos niilistas e desabafos existenciais diversos, que são evidenciados pelas vozes fúnebres dos vocalistas da banda. Instrumentalmente, encontramos um conjunto melódico e rítmico que percorre o característico estilo sombrio da darkwave oitentista, mas que em alguns momentos se afasta dessa fórmula para abusar agradavelmente de solos mais extensos de guitarra, aspecto bem relevante por assegurar uma notável originalidade nas músicas. É um EP que soa bem do início ao fim e que mostra que estamos diante de um grupo de enorme potencial que, definitivamente, se firmará cada vez mais no cenário underground nacional.

Em abril de 2021, lançaram o primeiro vídeo oficial e há previsão para que no final deste ano lancem mais um EP. Sobre isso, Wagner diz: “Produzimos bastante desde a produção de estreia. Muitas dessas novas músicas foram compostas ao longo desse período difícil pelo qual estamos passando. Em decorrência disso, essas novas músicas terão uma atmosfera um pouco mais melancólica e triste, com letras que exploram temas como a solidão”.

Aguardaremos ansiosamente pelas novidades e, enquanto isso, podemos desfrutar o fascinante EP Substância Escura, que pode ser escutado na íntegra através do link abaixo:

https://www.youtube.com/channel/UC_CtU_fSNBW3BQRIYbyy36Q 

Siga a banda no Instagram:

https://www.instagram.com/substanc1aescura/

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EXPLOSÃO DE PURPURINA: A CULTURA E A ESTÉTICA DO GLAM

 Por: Juliana Vannucchi

Na transição dos anos 60 para os anos 70, a Inglaterra, capital mundial do rock and roll, foi o palco do surgimento de uma nova tendência estética que ficou conhecida como “glam” e que consistiu num dos mais célebres movimentos de vanguarda de toda a história do rock. Um dos embriões dessa  corrente foi o provocativo David Bowie, cujo visual nesse período parecia ter sido inspirado em contos e filmes de ficção científica e abusava do uso de purpurina, lantejoulas, cores e brilhos, que se faziam presentes em sua maquiagem, roupas e calçados, vestimentas sempre excêntricas e que, na maior parte das vezes, eram peças tipicamente femininas. Essa característica ousada o levou a assumir uma aparência andrógina extremamente polêmica já que, através desse visual, afastou-se das normas de gênero de sua época, desafiando todo o tradicionalismo e conservadorismo vigentes e deixando muitos críticos musicais estarrecidos. Marc Bolan também é recorrentemente apontado como pioneiro do movimento, pois em 1971, já se apresentava publicamente com seu visual andrógeno.

David Bowie: o lendário andrógeno do Rock

O impacto que esse comportamento inaugurado por Bowie causou foi imenso e, embora o Camaleão tenha sido precursor do glam, muitos foram os representantes que deram vida e popularizaram a vertente mais glamourosa do rock,  como é o caso de Lou Reed, das bandas Mott The Hoople, The Sweet, The New York Dolls, Mud, Roxy Music, Slade e tantas outras. De maneira geral, todos esses grupos foram tão primorosos em suas produções e tão fundamentais para a história do rock que, seguramente, podemos acreditar que o glam foi o estimulante ideal e preciso do qual necessitavam para eclodirem e conquistarem seus respectivos terrenos, se consolidando como bandas lendárias. Além desses grupos citados, vale dizer que com o passar do tempo, certos subgêneros do rock apresentaram influência direta do glam, tal como foi o caso de bandas de hard rock e heavy metal - especialmente dos anos oitenta - dentre as quais podemos mencionar nomes como Def Leppard, Hanoi Rocks, Poison, Mötley Crüe e várias outros.

Mas não foram apenas bandas e músicos que foram afetados pelo glam. Esse movimento ultrapassou a barreira musical e foi socialmente relevante - na verdade, convenhamos, o rock nunca se esgota na música em si mesma. O conceituado escritor e crítico musical Simon Reynolds lembra que o experimentalismo sexual que marcou o glam estava, no fundo, atrelado a um determinado contexto histórico de sua época, no qual o ativismo homossexual crescia e uma “educação infantil mais liberal mudava o conceito de masculinidade”. Assim sendo, podemos dizer que essa corrente questionadora do status vigente não foi apenas estética, mas simbolizou também uma verdadeira mudança cultural que foi percebida em duas esferas: refletiu-se em aspectos sociais, como já citamos acima, e também políticos, já que serviu como motor para lutas de grupos sociais de seu tempo, além de afetar também as gerações seguintes, ao influenciar a construção da identidade de muitas pessoas. Esse conjunto de fatores, é claro, transformou e alterou para sempre os rumos do rock. Certa vez, a respeito do legado do glam, o icônico Marc Bolan comentou durante entrevista concedida à BBC: “Acho que [meu uso de purpurina] causou uma mudança... especialmente com cosméticos (...) Os caras podiam subir no palco... não sendo afeminados, mas não necessariamente precisando de loção pós-barba Brut - você sabe, sendo tipo super-masculino. Você poderia usar maquiagem e outras coisas para iluminar o ato”. Essa declaração de Bolan evidencia a possibilidade de desconstrução normativa que fazia parte do glam e a proposta de liberdade sexual que compunha o movimento.

 

Em relação especificamente aos aspectos musicais, Reynolds esclarece que o Glam era estruturalmente reativo, isto é, percebia traços de decadência na música de seu tempo e se propunha a alterar esse cenário, característica esta que também lhe assegura um caráter de contracultura: “O que define o glam musicalmente é uma reação contra o rock ácido e a volta às estruturas mais simples dos anos 50... esse tipo de vigor e foco”. O escritor complementa sua reflexão: “Mas, por outro lado, o glam também detém todos os avanços da gravação do final dos anos 1960, quando os discos de rock 'n' roll soam muito maiores, mais fortes, mais altos e mais grossos do que nos anos cinquenta”. 

Por meio do glam, o rock estava, portanto, demolindo paradigmas, sendo libertador e fazendo aquilo que sempre fez ao longo de sua história: se reinventando para se perpetuar. Justamente por isso, podemos entender que o glam foi simultaneamente uma revolução e uma evolução, uma vez que ao mesmo tempo em que causou rupturas também proporcionou diversos progressos construtivos cujos ecos perduram até os dias de hoje. O glam, enfim, literalmente nos mostrou que todos podem brilhar...

Referências:

https://www.theguardian.com/fashion/2020/jun/22/glitter-and-curls-marc-bolan-and-the-birth-of-glam-rock-style

https://en.m.wikipedia.org/wiki/Glam_rock

https://www.google.com.br/amp/s/www.udiscovermusic.com/in-depth-features/how-glam-rock-changed-world/amp/

https://www.google.com.br/amp/s/amp.theguardian.com/music/2010/sep/23/sweet-strange-history

https://www.google.com.br/amp/s/amp.theguardian.com/books/2016/oct/07/shock-awe-glam-rock-legacy-simon-reynolds-review

http://fordhamenglish.com/news1/2016/10/25/simon-reynolds-speaks-on-glam-rock

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DEVO: OS NERDS DO PUNK ROCK

 Por Juliana Vannucchi

O Devo foi uma das bandas mais inovadoras dos anos setenta. Seus primeiros passos foram dados precisamente em 1974, e os embriões do grupo foram Gerald Casale e Mark Mothersbaugh, dois estudantes do curso de Arte da Universidade de Kent, em Ohio.

A grande chance do Devo engrenar veio com a trilha do curta-metragem no qual estrelaram, chamado “The Truth About De-Evolution”, que ganhou um prêmio no Festival de Cinema de Ann Arbor em 1976. Quando o filme foi visto por David Bowie e Iggy Pop, os dois ficaram impressionados com o Devo e asseguraram para a banda um contrato com a gravadora Warner Bros. Foi assim que, com o produtor Brian Eno, o disco de estreia “Q: Are We Not Men? R: Qe Are Devo” ganhou vida. A partir disso, o grupo deslanchou numa carreira que foi feita mais de acertos do que de erros. De maneira geral, toda a trajetória do Devo foi brilhante e inspiradora.

“(...) são 7 bilhões de pessoas no planeta e o caos reinando como o principal fator de como as pessoas tomam decisões - o caos e o medo”.

 

No pano de fundo das origens do Devo, encontrava-se o conceito de “de-volução”, segundo o qual a humanidade havia chegado em seu nível mais alto de evolução e, então, iniciou um processo de declínio. Através de suas produções musicais, o Devo mostra que, de acordo com essa concepção, o ser humano, conforme vai se tornando mais decadente, apresenta um comportamento mecânico e pensamentos uniformes. Semelhantes a robôs, os homens da “devolução” são revestidos por uma alienação comprometedora. Trata-se de um regresso preocupante. Numa entrevista concedida em 2019, Mark Mothersbaugh disse que na época em que essa ideia foi desenvolvida, ele pensava que a dupla estava paranoica. Contudo, lamenta perceber que tal concepção se concretizou e, na mesma entrevista, Gerald Casale comenta que as previsões que tiveram não apenas se efetivaram, mas também simplesmente superaram os seus medos. O baixista ainda reflete a respeito de nossos tempos: “(...) são 7 bilhões de pessoas no planeta e o caos reinando como o principal fator de como as pessoas tomam decisões - o caos e o medo”. Mark complementa a consideração filosófica de seu colega de banda e emenda: “E está se multiplicando rapidamente. São 7 bilhões de pessoas, indo cada vez mais rápido, e não estamos aprendendo nada. Não estamos aprendendo as coisas importantes que são a sobrevivência em longo prazo”.

Mestres incontestáveis do gênero art rock, criaram uma prestigiosa fusão entre a atmosfera da ficção científica e um clima futurista, que contou com pinceladas surrealistas e experimentalismos sonoros. Essas combinações tão singulares confrontavam a essência da maior parte das bandas da mesma época, que seguiam a trilha do punk rock e, por isso, podemos considerar que o Devo foi uma verdadeira vanguarda musical. Ainda que  tenha surgido mediante a eclosão do punk norte-americano e, certamente tenha herdado alguns elementos desse movimento,  a banda era excêntrica e outsider, aspectos que a levaram para outro caminho. E se tem uma coisa que acredito que ficou clara neste texto, é que a banda, além de toda a primazia estética digna de admiração, postulou um alerta e fez um diagnóstico preciso de nossos tempos que, definitivamente, merece ser levado em conta.

Referências:

https://www.google.com.br/amp/s/amp.theguardian.com/music/2009/apr/30/devo-art-punk-80s-revival 

https://www.google.com.br/amp/s/amp.theguardian.com/music/2010/jun/17/devo-something-for-everybody-cd-review

https://web.archive.org/web/20071011183248/http://clubdevo.com/mp/bio.html

https://kcpr.org/2019/10/21/gut-feeling-an-interview-with-devo-the-band-that-predicted-the-future/

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O PODER SOCIAL DO ROCK, OS SEGREDOS PARA UMA BANDA AUTORAL DESLANCHAR E OUTRAS REFLEXÕES: UM PAPO COM BRUNO COSTA

 Por Juliana Vannucchi

Hoje, o protagonista do Fanzine Brasil é o Bruno Costa, criador da BandNest, uma plataforma que pretende revolucionar o Rock'n'Roll brasileiro. Se você tem uma banda e/ou é um músico solo independente, então, com certeza, precisa conferir essa entrevista e acompanhar o BandNest nas redes sociais, pois lá você encontrará inúmeras dicas e estratégias que poderão ajudá-lo a deslanchar sua carreira musical. Quer saber quais são as barreiras que impedem a decolagem do seu projeto musical? Você sabe o que significa sucesso? Quer entender como funciona a indústria contemporânea? Esses e outros assuntos foram abordados neste bate-papo especial com o Bruno! Confira!

 

1. Bruno, muitas bandas autorais do nosso país reclamam constantemente da dificuldade que elas têm em expandir seus projetos, e como já entrevistei inúmeros músicos desse meio, percebi que a maior parte deles, definitivamente, não acredita ser possível viver de música aqui no Brasil. No seu perfil do Instagram, você afirma que é possível viver de rock no Brasil. Poderia nos explicar de que maneira isso é possível?

Eu costumo explicar sempre em meus discursos que viver de rock não é, necessariamente, viver de uma banda. É importante entender que, hoje em dia, para viver de música é necessário ter uma composição de renda. Então, quando você entra no mercado musical, além de ter sua banda, você pode ser produtor musical, engenheiro de som, designer, agente, empresário, etc., ou seja, há várias funções dentro do mercado que podem gerar renda e até mesmo ser carreiras que podem ser sinérgicas. E estando de cabeça nesse meio mercadológico, você consegue gerar oportunidades para a sua banda, e sua banda, por outro lado, pode gerar oportunidades para essas outras carreiras que você está desenvolvendo paralelamente. Eu sei que muitas pessoas no Brasil vivem de música desse modo.

2. Na sua opinião, quais são os três principais erros que um músico independente comete ao tentar emplacar sua carreira?
 

Não investir na própria carreira. Ou seja, investe-se geralmente apenas na gravação e instrumentos, mas não na divulgação, quando, na verdade, é necessário que haja estratégia de divulgação, como mentoria e assessoria, por exemplo. No mínimo, você precisa investir tempo em suas redes sociais.

Não fazer um planejamento de lançamento. Geralmente, sobe-se uma música numa plataforma e só então se divulga essa faixa. Esse é um grande erro. Se a música já está lá, o Spotify, por exemplo, já está analisando a performance dela e não vai recompensá-la se ela não estiver gerando um resultado desde o início.

O terceiro erro seria o investimento incorreto em divulgação. Como fazer automatização, por exemplo, visando conseguir números nas plataformas musicais. Isso não adianta, e ainda pode atrapalhar a performance nas plataformas musicais. Esses números servem apenas para aumentar a vaidade em tais meios.

3. Há algumas semanas, você fez uma postagem muito interessante a respeito dos motivos pelos quais o rock está morrendo. Gostaria que você comentasse um pouco, especificamente a respeito dos rótulos, pois você mencionou esse aspecto como um dos fatores que estão prejudicando o rock. Achei esse ponto interessante porque já notei que grupos de sucesso como Siouxsie And The Banshees e The Cure, por exemplo, abominam as categorizações!!

Creio que o rock seja o estilo mais segmentado que existe, e dentro desses seus segmentos há muitas diferenças e até mesmo rixas entre si. O rock clássico, o indie, o punk vão para caminhos distintos e eles próprios também se dividem em outros gêneros – há, por exemplo, inúmeros estilos diferentes de heavy metal, ele se ramifica. Isso gera rivalidade e muitas vezes afasta e segmenta as pessoas e isso, infelizmente, não ajuda em nada. O rock deveria ser rock de qualquer modo, deveria haver, por exemplo, uma banda de grunge ajudando uma de folk e, de repente, gêneros diversos poderiam até mesmo se juntar com outros estilos musicais de alguma maneira. Essa segmentação só tira a liberdade de composição dos artistas.

4. Como você define o rock and roll? É só música ou ideologia?

O rock para mim é um movimento cultural. Isso significa que ele é mais do que simplesmente um estilo musical. Ele é extremamente rico porque envolve ideologia, estilo musical, e até mesmo outros elementos, como arte e moda, por exemplo, que são aspectos que se fazem presentes na construção geral do rock. Por ter todos esses componentes, ao longo do tempo, o rock inspirou outros estilos musicais, tais como o hip-hop, o MPB e outros gêneros, que até usam um pouco de recursos provenientes dele. De certa forma, podemos ver seus reflexos até mesmo no sertanejo, pois, atualmente, muitos músicos pertencentes a esse universo estão se aproximando de algumas vestimentas mais “despojadas” - calças rasgadas, por exemplo. É um movimento cultural com alcance em todos os outros estilos musicais. 

 

"penso que a música é capaz de ajudar em inúmeros momentos e circunstâncias, inclusive contra distúrbios emocionais" (...) 

 

 

 

 

5. De que maneira o rock and roll pode afetar beneficamente uma sociedade? 

Não apenas o rock and roll, mas a música em geral tem um poder muito grande e significativo para o ser humano. O homem, digamos, é um “animal musical”, pois assimila músicas em momentos marcantes de sua vida, além de algumas vezes ter, por exemplo, ideias e atitudes que são diretamente inspiradas e influenciadas por letras de músicas. 

Desse modo, penso que a música é capaz de ajudar em inúmeros momentos e circunstâncias, inclusive contra distúrbios emocionais – ela pode ser útil para que uma pessoa vença, por exemplo, uma crise emocional ou um conflito que está enfrentando. Pode ajudar uma pessoa a se recuperar de uma determinada situação, até mesmo de uma doença. E a música pode até mesmo mover sociedades para certos caminhos, podendo fazê-las progredir - ou não.

6. Para você, o que significa sucesso?

 Essa é uma pergunta bem interessante. De maneira geral, creio que seja algo subjetivo. Contudo, para mim, sucesso significa bater metas. Uma vez que você estabelece metas na sua vida e as alcança ou até mesmo supera, você teve sucesso. Então, você deve se perguntar: “qual é a meta da sua vida?” / “Qual é o propósito?” / “Onde você quer chegar?” O Bandsnet, por exemplo, tem como objetivo criar uma nova era do rock, revitalizar o rock and roll no Brasil e no mundo, criando um novo movimento do rock que seja forte em todos os quatro cantos do planeta, para assim, fazer com que ele volte para as massas. Mas, enfim, é preciso deixar claro que qualquer coisa que você estabelecer, pode desencadear sucesso. Se, por exemplo, uma determinada banda se propõe a fazer um show que renda dinheiro para que ela possa simplesmente comer uma pizza numa esquina qualquer e, de fato, esse grupo toca em algum lugar e consegue esse dinheiro, sendo capaz de colocar seu plano em prática, então a banda teve sucesso, pois alcançou uma meta traçada por ela. Essa é a questão do sucesso, pois sucesso é determinar para a sua vida algo que vá te fazer feliz.

7. Muitas pessoas costumam dizer que nos anos oitenta, o rock nacional era forte e criativo e que, em contraponto, nos dias de hoje, está enfraquecido. De fato, inúmeros grupos famosos eclodiram nessa referida década. Porém, atualmente, existem muitas bandas qualificadas pelo país, embora a maioria não esteja debaixo de holofotes. Como você compara a indústria musical brasileira dos anos oitenta e dos dias de hoje?

Há muita diferença dos anos oitenta para hoje. Acredito que qualidade musical não é uma delas, pois, atualmente, há recursos tecnológicos muito maiores e as bandas têm acesso a técnicas muito mais avançadas para compor música, sendo que esse conjunto de fatores permite a produção de músicas mais qualificadas e mais bem compostas do que antigamente. Porém, há vários contextos em relação aos anos oitenta. Naquele período, havia uma atitude muito atrelada à rebeldia, afinal, estávamos vivendo sob uma ditadura e o rock contrapôs esse cenário. Lá nasceu um movimento musical de união para que as bandas, juntas, pudessem gerar uma atitude social contra aquele regime militar. Também havia um movimento forte do rock em todo o mundo. Era o seu auge e o hard e o punk estavam fortíssimos. Posteriormente, o Rock In Rio surge e fortalece o rock nacional. Também teve a eclosão da MTV nos anos noventa, o que cooperou para esse fortalecimento e influenciou a música no país.  Hoje em dia, essas bandas são muito boas, mas além da oferta musical ser muito grande, pois há muita gente produzindo e lançando música, existe uma questão de que o rock possui algumas deficiências pelo fato de ser, digamos, despojado, espontâneo. Ele perdeu um pouco de seu profissionalismo, no sentido de se divulgar e fazer marketing. Por sua vez, outros movimentos culturais que são mais voltados para as massas e conversam melhor com elas acabaram tomando espaços que o rock não tinha. E há a segmentação do rock que faz com que, por vezes, pessoas que curtem um certo estilo acabem atacando outros gêneros e isso, no geral, enfraquece o rock. Mas, enfim, trata-se mais de uma questão de postura do que de qualidade musical.

8. Quando um músico e/ou banda se envolve diretamente com a grande indústria musical, ele perde, necessariamente, sua autonomia ao atender metas e imposições que são exigidas por essa indústria? A fama aniquila a criatividade? 

Não vejo dessa forma. Não acho que ela perde a liberdade musical. Quando você está criando música, você está fazendo um produto como qualquer outro. Não adianta, por exemplo, você criar um chocolate e ninguém mais gostar. Se você faz um produto para ser comercializado, as pessoas precisam gostar disso. Assim sendo, se você entra numa indústria musical forte, é preciso entender qual é o seu público-alvo e o que ele espera de você, pois esse tipo de conhecimento ajuda a crescer e se firmar, uma vez que te permitirá criará algo para esse público. Isso, porém, não significa que você tenha, necessariamente, que se prender a certas criações. Todas as bandas possuem seus lados Bs, sua face mais “cult”, por assim dizer. Pensemos na banda Legião Urbana: eles tinham hits que agradavam todo mundo e outros que não eram os favoritos das grandes massas e eram mais restritos aos ouvintes que cultuavam a banda. 

9. O que te motivou a criar o projeto BandNest?

O que me motivou foi uma conversa que certa vez tive com um amigo músico. Também sou músico e já tive banda, mas por volta do final dos anos noventa e começo dos anos dois mil, parei de tocar profissionalmente.  m 2017 comecei a voltar para o mercado musical por intermédio do BandNest.  Nessa conversa com esse amigo, comentei que deveria ser mais fácil de se promover hoje em dia devido aos aparatos tecnológicos. Porém, ele discordou de mim e falou que, na verdade, hoje os lançamentos musicais são como “agulhas no palheiro”, pois milhares outras músicas são lançadas simultaneamente nas redes. Então, torna-se difícil colocar uma música em evidência. Na hora, pensei: “Poxa, seria legal se houvesse uma plataforma capaz de ajudar as pessoas a colocarem suas músicas em evidência. Seria uma forma de resgatar esse novo rock and roll que está surgindo”. Essa foi a principal motivação dos BandNest.

10. A que, exatamente, se refere a Nova era do Rock”? Quais seriam suas principais características? 

O nome “A Nova Era do Rock” foi inspirado num documentário do canal VH1, chamado “Seven Ages of Rock”, que mostrava desde os primórdios do rock até sua evolução, suas diversas vertentes e eras que, apesar das divergências, sempre fizeram com que o rock, de maneira geral, se renovasse e permanecesse vivo, uma vez que esses movimentos variados sempre se sobrepunham um ao outro através de criações novas e de resgates de elementos mais antigos do rock. O documentário se encerra na chamada “sétima onda do Rock” - conforme o seu título original indica. Depois de assisti-lo, eu refleti: qual seria a oitava onda? Creio que ela seja, em suma, uma superação das rivalidades entre os gêneros. As bandas deveriam se ajudar e fortalecer o estilo como um todo. A partir dessa consideração, criei alguns pilares que formam a sigla SHURE: solidariedade - humildade - união - respeito - ecleticismo.

Solidariedade:

As bandas devem se ajudar, cooperar e apoiar as bandas menores, por exemplo.

Humildade:

Deve-se aceitar opiniões, críticas, sugestões e feedbacks e tentar crescer e melhorar a partir disso, usando esses aspectos de maneira construtiva.

União:

As bandas devem se ajudar em movimentos e gerar oportunidades umas para as outras.

Respeito:

Eu posso não gostar do seu estilo, da sua música, da sonoridade. Mas é preciso respeitar o movimento que está sendo criado e dar apoio, pois estamos inseridos na mesma dificuldade, no mesmo universo. Acima de tudo, somos pessoas e o Rock é Rock.

Ecleticismo:

Respeitar todas as vertentes não apenas do rock, mas em geral. Portanto, respeite, apoie e até mesmo participe de outros movimentos. É importante ter o ecleticismo no sangue para que seja possível, até mesmo, originar algo inovador.

 

Os cinco pilares que formam o SHURE

11. Qual é a principal dica que você dá para um artista que quer viver de música?

A principal dica que dou é: não se veja apenas como um artista, mas também como um empreendedor, pois tudo que se aplica a um empreendedor também se aplica a um artista – estudo de mercado, networking, marketing, investimento, publicidade, finanças, etc. Geralmente, no início de uma carreira, as bandas precisam fazer tudo isso sozinhas, por isso enfatizo esse conselho:  veja-se como uma empresa.

12. Para encerrar, nos diga quais são os principais benefícios que um músico ou uma banda podem ter ao seguirem o seu projeto.

A principal vantagem é aprender o modus operante do mercado musical, ou seja, o que realmente faz com que uma banda cresça, tenha destaque, diferencie-se e consiga público. O maior benefício é que as bandas aprendem a se divulgar, a lançar seu próprio som e a criar um público engajado por meio das suas redes sociais, para que esse público as siga em shows, compre seus produtos e, enfim, a sustente. Em suma, são esses os benefícios que eu busco proporcionar através das minhas ações.

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DOCUMENTÁRIO CONTA A HISTÓRIA DE POLY STYRENE

 Por: Juliana Vannucchi

Em março de 2021, ocorreu o lançamento oficial do documentário “Poly Styrene: I Am a Cliché”, cuja narrativa centra-se na vida da vocalista do grupo britânico X-Ray Spex.

Poly foi uma das personalidades mais emblemáticas e excêntricas da história do punk rock, movimento cultural em que deu seus primeiros passos, mas do qual sua autenticidade lírica, visual e vocal logo a afastaram para que criasse um universo estético peculiar e inovador. Os trajes coloridos, a voz aguda e potente e uma forte presença de palco formavam sua vívida figura. Mas, talvez, a principal marca de Poly tenham sido suas letras, que sempre foram destaque à parte. Continham reflexões de temáticas místicas, críticas ao homem moderno, protestos ao consumismo e às imposições sociais que geram o caos e dificultam a construção da identidade, além de também abordarem diversas meditações acerca da existência e outros conteúdos bastante originais. 

 

Dentre os admiradores de Poly, estão o lendário Thurston Moore e Vivienne Westwood.

Mas a trajetória da frontwoman não foi apenas composta por produções musicais bem sucedidas, por shows lotados e pelo carinho dos fãs. Ao longo de sua carreira, a vocalista do X-Ray Spex foi vítima de racismo e misoginia, além de conviver com quadros depressivos que geravam desequilíbrios emocionais constantes. A cantora chegou a ser diagnosticada erroneamente com esquizofrenia quando, na realidade, sofria de transtorno bipolar. Esses problemas a afastaram da banda, mas apesar dessas dificuldades, Poly sempre se manteve forte na complicada luta que travou desde cedo contra seus demônios interiores.

Pouco tempo depois do nascimento de sua filha Celeste, Poly deixou a fama de lado e juntou-se ao movimento Hare Krishna, do qual Lora Logic, a icônica saxofonista que tocou com Poly nos primórdios do X-Ray Spex, também fez parte e com o qual permanece conectada até os dias de hoje. Durante essa época de aproximação com a cultura indiana, Poly viveu uma fase mais tranquila em sua vida, até que sua saúde mental se fragilizou novamente e a filha Celeste, aos oito anos, precisou ir viver com sua avó. Após um período de tempo, Poly parecia estar recuperando seu equilíbrio mental, contudo, a tranquilidade não foi tão duradoura e ela faleceu em 2011, aos 53 anos, em decorrência de um câncer de mama.

O documentário foi dirigido por Celeste Bell, filha de Poly, e Paul Sng. Atualmente, Celeste também é responsável pela administração do patrimônio artístico de sua mãe. Ao longo da produção, a vida de Poly é explorada justamente através do olhar e da emoção de sua filha. De acordo com o jornal britânico The Guardian, a produção esbarra em temas como a maternidade, a busca pela identidade, a espiritualidade e a saúde mental. 

O legado dessa heroica mulher permanece vivo e continua inspirando diversas gerações. Dentre os admiradores de Poly, estão o lendário Thurston Moore e Vivienne Westwood, que, inclusive, cederam depoimentos no documentário. 

Atualmente, não há informação ou previsão sobre um possível lançamento do documentário no Brasil, no entanto, sugerimos que os fãs sigam e acompanhem as páginas oficiais da produção: 

Site: 

https://www.polystyrenefilm.net/

Instagram: 

 https://www.instagram.com/polystyrenefilm/

Facebook: 

https://www.facebook.com/iamacliche

Twitter: 

https://twitter.com/polystyrenefilm

Pôster oficial do filme

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CONHEÇA A SHE IS DEAD: BANDA CURITIBANA ESPECIALIZADA EM PESADELO

Por Juliana Vannucchi 

Com uma mescla criativa da selvageria do Garage Rock e da crueza do Punk, a She Is Dead já se firmou como uma das bandas de rock mais proeminentes do atual cenário nacional.

O grupo curitibano deu seus primeiros passos em 2015, quando Kim Tonietto (baixista e vocalista) e Mau Carlakoski (vocalista e guitarrista) se juntaram para transformar reflexões, sentimentos e emoções em melodias musicais. Porém, foi apenas em 2019, com a chegada do baterista Ricky Volpato, que o grupo se firmou de vez. A química existente entre o trio foi perfeita e, dessa união embrionária em diante, a história da She Is Dead passou a fluir cada vez mais. Ainda em 2019, lançaram dois EPs autorais, o “Living In My Hate” e o “Forget Our Dreams” ambos com uma sonoridade enérgica e envolvente. Após essas respectivas produções de estreia, se tornaram conhecidos como uma banda “especializada em pesadelos”, ou seja, que é capaz de retratar frustrações, perdas, medos, conflitos existenciais e outros terrores que afligem a alma de qualquer ser humano.

 

A banda She Is Dead é destaque na cena musical brasileira

 

Desde seu surgimento, o reconhecimento foi crescendo exponencialmente e a banda, além dos tantos shows vigorosos já realizados, já participou de diversos programas de rádios da internet, como o FDP da Rádio Kiss FM, apresentado por Clemente Nascimento, da banda Inocentes, Rádio Mutante, Rock Disorder e Dezgovernadoz, Rádio Uninter Programa Nosso Rock, Rádio Graviola, Bons de Papo, Studio TENDA, Nacional Du Bao, Fanzine Brasil, Discoteca Básica, Culturapia, Violent Noise, Rádio Gralha Azul programa Rock no Pinheiro, Carolina Indica, entre outros.

Em 2020, a pandemia assolou o trio curitibano e causou alguns problemas e impedimentos a eles, assim como também gerou prejuízo para muitas outras bandas. No entanto, o trágico período não deixou a She Is Dead inativa e o grupo aproveitou o momento para semear ideias e transformar os obstáculos em inspirações. Em fevereiro de 2021 a banda assinou com o selo carioca Electric Funeral e relançou este mesmo material em um só disco, com 8 músicas, chamado “Story Of Lies”. E as novidades desse novo ano não param por aí: em abril, a banda lançará pelo mesmo selo mencionado acima, um álbum totalmente inédito, o “First Day Of My Life”, que contará com 10 faixas. 

 

Mau Carlakoski em ação com sua guitarra

 

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