UM ENCONTRO ENTRE A POESIA E A PINTURA: CONHEÇA O LIVRO "PURIFICAÇÃO: O MEDO EM VERSOS", LANÇADO PELO FANZINE BRASIL

 Por Juliana Vannucchi

O livro de poesias Purificação: o medo em versos, organizado pelo site Fanzine Brasil e mediado pela Editora-chefe Juliana Vannucchi, foi lançado em quantidade limitada no final de setembro pela Editora Viegas (MA). O projeto literário contou com a participação de sete poetisas brasileiras: a psicanalista Natália Amanda (São José dos Campos/SP), a artística plástica Ana Maria Duarte (Sorocaba/SP), a pedagoga Everilda Menezes (Recife/PE), a pintora Soraya Balera (Sorocaba/SP), a professora Maria Sílvia Vannucchi (Sorocaba/SP) e a escritora Márcia Carriel (Sorocaba/SP).

A intenção foi criar um projeto de cunho coletivo que valorizasse escritoras independentes. Levando em consideração que, historicamente, durante um longo período de tempo, as mulheres não tiveram culturalmente, socialmente, intelectualmente e artisticamente o espaço que mereciam ter, o livro foi essencialmente feito por elas. Juliana Vannucchi,organizadora e idealizadora do projeto, comentou a respeito da proposta que moveu essa empreitada cultural: “Nossa intenção foi criar um projeto de cunho coletivo que valorizasse poetas independentes. O Fanzine Brasil preza muito pelo mutualismo, e tem a reciprocidade e a ideologia D.I.Y como grandes valores. São heranças do movimento punk. Que este livro seja inspirador e capaz de purificar os corações dos leitores. Sinto que nossa produção artística é uma espécie de epifania poética”.

Purificação: o medo em versos oferece ao leitor uma teia de meditações acerca do medo, arquitetada em torno de expressões subjetivas das poetisas participantes que mergulharam em seus interiores para buscar intuitivamente aquilo que é indizível a respeito desse sentimento, e depois transformar o indizível em palavras. A psicanalista Natália Amanda, uma das escritoras que participou da produção do livro, destacou a importância do projeto: "Nos últimos tempos, percebemos que vivemos em um mundo acelerado, onde não há tempo para reflexões ou para elaborações sobre a vida e o medo. Este livro oferece uma saída alternativa para o tratamento do sentimento do medo de uma forma poética e curativa, permitindo que cada leitor experiencie essa emoção por meio do seu envolvimento com a leitura, de maneira prazerosa", declarou. 

 

Desde seu lançamento, o material tem atraído a atenção de vários leitores, uma vez que sua abordagem é um tema comum a todos: o medo.

No decorrer do processo de criação do livro, as autoras basearam-se num lema criado por Vannucchi: “A poesia é uma necessidade da alma”. Tendo essa concepção em vista, todas, por meio dos versos que elaboraram, pretendem percorrer os corações dos leitores e enfeitiçá-los com uma verdadeira epifania poética. Em relação ao efeito que espera que o livro gere nos leitores e enfatizando essa ideia da poesia como uma necessidade humana, Everilda Menzes, refletiu: "A poesia é  a palavra que compõe a história das pessoas. Que faz materializar as emoções no verso. Quem redigi o preenchimento do vazio da alma é  a inspiração do poeta e a poesia responde  a todos sem nunca tê-los  visto. A poesia é a palavra  reconhecendo o próprio  dever de existir; pleno, em um mundo de dúvidas. Se sobreviver  é uma forma de continuar existindo... a existência é uma  poesia! Logo, precisamos da poesia pra sobreviver!" 

Ademais, visando apresentar uma experiência estética ampla, além de conter uma série de poesias inéditas, o livro também possui ilustrações autorais exclusivas. Essa elegante combinação entre poesia e pintura, que foi idealizada pelas próprias escritoras, resulta num verdadeiro deleite para todos os amantes da arte, que certamente apreciarão o rico conteúdo oferecido por essa original e caprichada produção literária. Soraya Balera destacou o privilágio e a importância do livro: “O medo, como tema da nossa produção literária, é um poder capaz de transformar os ciclos de nossas vidas. Dar vazão aos sentimentos é, de fato, purificar o medo por meio de versos”.

Atualmente, exemplares do livro circulam por diferentes cidades e estados do país, podendo ser encontrado em livrarias e bibliotecas de São José dos Campos (SP), Sorocaba (SP), Piedade (SP) e Recife (Pernambuco), dentre outras localidades.

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THE PSYCODELHIC FURS: A PODEROSA BANDA DE ART ROCK

Por Juliana Vannucchi

O ano de 1977, na Inglaterra, foi um período particularmente importante e primoroso na história do rock, uma vez que, nessa época, inúmeras bandas punks e pós-punks surgiram e/ou lançaram discos icônicos que até hoje fazem sucesso e são altamente influentes. No meio dessa produção musical massiva, encontra-se o Psychedelic Furs, banda formada na capital inglesa pelo vocalista Richard Butler e seu irmão, o baixista Tim Butler. Ao longo de sua carreira, o grupo lançou um total de oito álbuns de estúdio, sendo o debut em 1980 e o último em 2020. Os irmãos sempre foram o fio condutor da banda, embora a formação original tenha sofrido alterações ao longo dos anos.

O The Psychedelic Furs tomou rumos sonoros muito diversificados no decorrer de sua trajetória e em alguns momentos foi bastante experimental, aspecto que levou a banda, inclusive, a ser categorizada como uma representante do gênero “art rock”. Talvez esse aspecto os tenha afastado dos holofotes porque, ainda que sejam bastante conhecidos entre os fãs do punk e do post-punk, seu sucesso certamente não é o mesmo de outros remanescentes da época, como o The Cure, The Smiths, Bauhaus, entre outros, cuja imagem foi altamente comercial. No entanto, o The Psychedelic Furs merece atenção. A banda é muito original em suas composições e essas mudanças de rota sonora que foram citadas revelam o quanto os membros do grupo eram criativos e habilidosos. Em relação ao significado e à proposta musical do grupo, certa vez, Richard Butler declarou: “Gosto de música que me ajuda a compreender-me, porque quando me compreendo também consigo entender um pouco melhor o mundo lá fora”. Por meio de suas letras, o vocalista procura levar as pessoas a serem mais reflexivas e tem uma postura um tanto crítica em relação à escrita: “Não há nada que eu odeie mais do que bandas que escrevem sobre a vida na estrada, sobre rock na estrada, todas as mulheres que conseguem e todas as drogas e bebidas que obtêm por aí. Não creio que haja algo mais tedioso quanto cantar sobre a posição que se ocupa. Acho que você está realmente ficando sem ideias quando faz isso”. Butler também chegou a contestar as composições líricas de grupos famosos, como The Smiths e Echo & The Bunnymen: “Eles juntam palavras e imagens para parecer poesia, mas na verdade não têm a essência da poesia, e é um tipo de coisa perigosa. Eles afirmam ser influenciados por Rimbaud, Mallarmé e Beaudelaire, mas a meu ver eles estão apenas juntando as palavras e fazendo com que isso pareça poesia. É como se alguém pegasse um pincel e um pouco de tinta, pintasse um monte de caixas e simplesmente chamasse isso de cubismo, sem realmente olhar para o que o cubismo significava, como objetos retratados em três dimensões, apresentados em uma série de planos. Não basta alguém desenhar muitas linhas retas, fazê-las parecerem caixas e chamar isso de cubismo."

 

O Psychedelic Furs é uma banda poderosa, capaz de aquecer qualquer coração e aliviar qualquer alma perturbada.

 

A banda manteve-se firme até os anos noventa, período no qual houve uma cisão que duraria até o início da década seguinte, quando os membros voltaram a reunir-se, chegando até mesmo a fazer uma turnê mundial para celebrar a sua volta. Atualmente, o grupo figura entre os tantos que seguem sendo aclamados pelo que produziram nos anos setenta e oitenta, mas ofuscados por produções populares e comerciais. Butler segue bastante ativo, sendo que recentemente, juntamente com Martin Gore, escreveu a música "Ghosts Again", primeiro single do álbum Memento Mori do Depeche Mode, lançado no início de 2023. O Psychedelic Furs é uma banda poderosa, capaz de aquecer qualquer coração e aliviar qualquer alma perturbada. 

O pai dos irmãos Butler era químico e é descrito como um sujeito comunista e ateu. Nos anos setenta, quase se tornou embaixador científico na União Soviética. A mãe dos meninos era artista. Todos esses elementos tocaram o coração de Richard, que foi o fundador da banda, e influenciaram sua trajetória existencial e musical. Butler estudou e formou-se em artes em Londres. Atualmente, inclusive, ele é um pintor prestigiado e tem suas obras expostas com bastante frequência em diversos locais.

Referência bibliográfica: 

https://www.artistwd.com/joyzine/music/psychedelic_furs/furs.php 

https://www.spin.com/2020/07/richard-butler-on-the-psychedelic-furs-first-album-in-29-years/ 

https://www.nme.com/features/music-interviews/the-psychedelic-furs-tim-butler-david-bowie-pretty-in-pink-2808731

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BALLET CLANDESTINO: UMA LENDA DO PÓS-PUNK NACIONAL

 Por Juliana Vannucchi

Em 2012, na capital paulista, despontava a banda Ballet Clandestino, que com o passar dos anos se firmaria como um dos nomes mais significativos do pós-punk nacional. Atualmente, sua formação conta com o brilhante Vinícius Primo, que comanda a guitarra e o vocal, Natan, contrabaixista e vocalista, além de Tyofrey, o talentoso baterista do grupo. A discografia do powertrio é composta por um total de 4 EPs, todos lançados em formato físico, sendo que a mais recente produção, intitulada “Ruído Que Desorganiza”, foi lançada em 2023.

 

Ballet Clandestino: uma banda perigosa ao senso comum e valiosa aos que desejam sair da caverna.

 

Todos os EPs da banda são cativantes e dignos de elogio. As músicas, instrumentalmente falando, são carregadas de pinceladas melancólicas e possuem uma atmosfera predominantemente obscura. As letras, por sua vez, são bastante poéticas, expressam um teor reflexivo e tratam de maneira profunda uma série de conflitos que tangem a realidade humana, como o caos, o absurdo existencial, a solidão, o desespero, dentre outros temas. Além desses aspectos mencionados, as letras também integram críticas sociais e abordagens de cunho político, voltando-se especialmente ao submundo que se oculta por trás do luxo e da correria dos grandes centros urbanos. Devido a tais características, o Ballet Clandestino é uma banda notavelmente singular, emergente das sombras, capaz de envolver sentimentalmente o seu público e, ao mesmo tempo, convidá-lo a contestar a realidade ao seu redor. É um grupo niilista, observador da trágica condição humana, e com uma postura não-conformista, que registra todos esses elementos em seus poemas sonoros. Trata-se de uma banda perigosa ao senso comum e valiosa aos que desejam sair da caverna. Certamente seria um dos grupos presentes na playlist de Lord Byron, que curtiria o som do Ballet Clandestino tomando uma taça caprichada de vinho! Perder-se nas músicas da banda é mergulhar nas profanas e nefastas aventuras que compõem essa estranha vida.

Por toda sua qualidade, o Ballet Clandestino, esse trio ultrarromântico pós-moderno, resiste ao tempo e permanece sendo um cultuado e lendário símbolo do pós-punk nacional, sendo sempre capaz de oferecer ao público conteúdos musicais consistentes e empolgantes.

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SPACE MACHINE: A MÚSICA DO FUTURO E A NOVA ERA DO ROCK NOVA IORQUINO

 Por Juliana Vannucchi

James Fox, residente em Nova Iorque, é um sobrevivente da cena punk setentista, que o influenciou fortemente em termos sonoros e ideológicos. O músico, sempre armado com sua guitarra e abastecido por seus sentimentos, ao lado do baterista Eric Blitz, recentemente deu vida ao seu poderoso projeto "Space Machine", através do qual está trabalhando num legado musical que, invariavelmente, está fadado ao sucesso. Com um talento que pulsa em suas veias, James deseja que sua música seja capaz de reverberar na mente e no coração de seus ouvintes. 

 

O Space Machine ofecrece uma sonoridade distópica, alternativa, única e absolutamente fantástica, criada por um guitarrista que está em plena ascensão

 

A música sempre foi um fator necessário na vida de James, que desde a tenra idade a percebia como uma fonte de inspiração e de paixão. Ela nunca deixou de acompanhá-lo, de andar ao seu lado e de, alguma maneira, ser uma espécie de templo protetor. Mas houve um acontecimento traágico que mudou drasticamente os rumos de sua vida e o lançou de vez para um incessante processo de criação musical. Atualmente, Fox, que se apresentará em Nova Iorque no mês de setembro, festeja o simples fato de poder subir aos palcos, pois ele é uma verdadeira fênix do rock, renascida das cinzas da morte. Isso porque, numa fatídica noite de abril de 2020, logo no início da pandemia, foi vítima de um atropelamento que o deixou numa condição de saúde gravíssima, fazendo com que ficasse perto da morte. Ele teve seu rim perfurado, fraturou quatro costelas, quebrou as duas pernas e teve uma séria concussão na cabeça. James se recordou dos terrores dessa experiência: "Lembro-me literal e vividamente do som do metal quando afundei sete centímetros no capô dianteiro do carro. Lembro-me imediatamente depois da forte explosão do vidro estilhaçado do para-brisa, quando a frente da minha cabeça fez contato... sons que nunca esquecerei, seguidos pela vaga sensação de estar no ar, a última coisa de que me lembro antes de acordar". Tudo que ele vive agora, de alguma forma, está entrelaçado ao acontecimento daquela noite e à cadeia de circunstâncias que se seguiu após o acidente. Para James Fox, essa vivência não ocorreu para que ele se tornasse uma testemunha silenciosa, mas, sim, para que extraísse dela algo poderoso e sagrado que pudesse, por meio de sua sensibilidade interior, transformar-se em música. Refletindo, ao recordar-se sobre como essa experiência dolorosa modificou sua perspectiva existencial, comentou: "Agora vejo e sinto toda a beleza, a alegria, a maravilha, o mistério, desta vida e deste mundo... Mas o caminho para cima também passa... Nada muda sem reconhecimento absoluto e honestidade absoluta". Seu coração catalisou as marcas psicológicas e físicas deixadas naquele noite. E o sofrimento virou arte, assumiu a forma de melodias. A música do projeto "Space Machine" é o espectro da beleza gerada pelos horrores que foram confrontados por James, que toca guitarra com uma virtuosidade brilhante e absolutamente hipnótica. 

O "Space Machine" é um projeto musical de enorme potencial criativo e que conquistará o coração de todos os apreciadores de rock, ao oferecer um estilo musical inovador do qual nossas almas precisam para se elevar e se purificar. Nesse projeto, nós nos deparamos com o tipo de composição do futuro, que transgride fórmulas comuns e navega por mares originais e sem precedentes, nos quais pedais variados fazem com que a guitarra seja a condutora de uma mescla de space rock com punk e hard, algo vidrante - uma espécie de fusão do melhor de Johnny Thunders com o melhor do Eloy. Trata-se de uma sonoridade distópica, alternativa, única e absolutamente fantástica, arquitetada por um guitarrista que está em plena ascensão e que é uma promessa valiosa no cenário da música independente dos EUA. Nova Iorque, novas eras estão surgindo... sua história nunca terminou nos anos setenta e há novos músicos por aí, prestes a serem consagrados como tantos outros que honraram seu solo. O rock and roll para James Fox é uma missão de vida. Abra seu coração para os hits selvagens de James Fox e explore asonoridade cativante do Space Machine...

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THE MODERN LOVERS: A OBRA-PRIMA SETENTISTA DE JONATHAN RICHMAN

 Por Juliana Vannucchi

O The Modern Lovers é uma das bandas mais interessantes e singulares dentre as tantas que despontaram nos EUA durante a frutífera década de setenta. O principal mérito dessa lenda do proto-punk é a criatividade em termos de construção musical, uma vez que o grupo simplesmente não seguiu nenhum tipo de padrão sonoro vigente em sua época, elevando-se, assim, a um patamar totalmente inovador em termos estéticos.

A banda de Boston, cuja formação inicial contava com Jonathan Richman, guitarrista e vocalista, o contrabaixista Ernie Brooks, o tecladista Jerry Harrison e o baterista David Robinson, esteve em atividade entre 1970 e 1974, embora o debut, intitulado “The Modern Lovers”, que conta com um toque de produção de John Cale, tenha vindo à tona somente em 1976, depois da ruptura do quarteto. Durante esses quatro anos de percurso musical, o visionário Jonathan Richman sempre destacou-se como o verdadeiro maestro que manteve o selo de qualidade da banda, guiando-a por vastos e originais trilhos sonoros. Esses aspectos se evidenciaram porque Richman foi um poeta urbano de imensa sensibilidade que compunha suas canções de forma livre e espontânea, sem muitos apegos estilísticos, ainda que portasse consigo influências de bandas como The Stooges e The Velvet Underground, que despertaram seu interesse na época do ensino médio. Suas primeiras composições foram feitas justamente nessa referida época, quando tinha aproximadamente quinze anos de idade. Nessa fase incial de sua trajetória musical, o inexperiente jovem apresentava-se em locais modestos, como cafeterias e bares, nos quais, conforme certa vez se recordou, chegou a espantar o público rapidamente em função de suas dificuldades com o manejo da guitarra. Nesse momento de sua vida, em Boston, Richman foi uma espécie de poeta deslocado e aspirante musical, até que decidiu se mudar para a calorosa New York, um fervoroso palco cultural da época que o transformou por completo. Lá, o garoto observou a cena local e acompanhou de perto a atividade de gênios como Andy Warhol. Todo esse cenário deixou uma marca artística grandiosa cravada no espírito de Richman que, então, voltou para Boston e, em sua terra natal, juntou-se com outros músicos para fazer nascer o The Modern Lovers. A respeito desse período vivido em NYC, refletiu: "Eu saía com algumas pessoas daquela cena tarde da noite e só ia a lugares para dançar, sempre adorei dançar. E então percebi que queria formar uma banda e voltei para Boston". Foi então que Richman prometeu para si mesmo que a música, em sua vida, pulsaria sempre como arte e que se em algum momento isso se tornasse um trabalho e fugisse da esfera underground, ele desistiria da empreiatada, pois, conforme certa vez afirmou "não acredito na música assim".

 

O The Modern Lovers foi um grupo de vanguarda que em seu único álbum conseguiu ser altamente revolucionário.

 

Mais tarde, com a banda consolidada, o visionário Richman basicamente gravava a declamação de suas poesias - por vezes, produzindo uma espécie de spoken word com resquícios de lamento e melancolia e em outros momentos, cantando com certa velocidade - e as preenchia com espetaculares e precisas linhas de guitarra que normalmente asseguravam aos singles um clima fundamentalmente psicodélico. Numa ocasião, durante uma entrevista, a respeito de seu apreço por poesia, declarou: “Poesia, se você a ama, ela entra em suas conversas e em tudo que você faz”. Também disse gostar de Rumi e “de um cara chamado José de la Espronceda, do século 19 (…) Poetas italianos, franceses. Hum… Chuck Berry era poético”. Somado a esse notável talento poético, estavam os demais integrantes do The Modern Lovers, que possuíam uma refinada habilidade instrumental e davam seus toques glamourosos às aventuras líricas de Richman. Jerry Harrison, em particular, ao fazer bom uso do órgão em certos singles, faz com que, em determinados momentos, o grupo soe ligeiramente semelhante ao The Doors.

O The Modern Lovers é o tipo de banda capaz de conquistar qualquer ouvinte que flerte com o rock and roll. Foi um grupo de vanguarda que em seu único álbum conseguiu ser altamente revolucionário em termos de composição e estilo e, dessa forma, deixou uma herança musical incontestável e requintada, que foi e permanece sendo imensamente influente.

Referências: 

https://www.theguardian.com/music/musicblog/2011/aug/10/modern-lovers

https://pitchfork.com/reviews/albums/10645-the-modern-lovers/

https://web.archive.org/web/20151007012937/http://synthesisweekly.com/interview-with-jonathan-richman/

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THE EDWOODS BRILHA NA EUROPA

 Por Juliana Vannucchi

O The Edwoods, duo paulistano formado por Andy, vocalista e baterista e pelo guitarrista Eron, é parte de um vasto grupo de artistas nacionais que luta pela música independente e, com resistência, faz com que a cena autoral brasileira permaneça sólida. Musicalmente, a dupla se destaca especialmente por seus criativos experimentos sonoros que flertam com os gêneros psycobilly e garage rock, sendo essa mescla maravilhosamente complementada com uma aura barulhenta e essencialmente underground. 

Entre maio e junho de 2024, o The Edwoods realizou sua primeira turnê internacional, chamada “Plan 9 European Tour”, composta por mais de dez apresentações feitas em palcos de diversos países do continente europeu, que estremeceu com a presença alucinante de Andy e Eron. Em sua página oficial no Instagram, os Edboys declararam que a turnê foi especial e revelaram terem vivido  “momentos selvagens e inesquecíveis nas estradas e palcos, além de terem conhecido pessoas loucas e maravilhosas por lá”. 

 

A turnê europeia da dupla foi épica e encheu os fãs brasileiros de orgulho ao revelar que nosso país tem músicos talentosos que estão escrevendo um lindo capítulo na história do rock nacional.

 

Nesses memoráveis gigs intercontinentais, o The Edwoods fez enorme sucesso e chamou a atenção do público em todos os locais pelos quais passou. A dupla foi amplamente elogiada e teve sua performance comparada com as apresentações do The Cramps. Com shows cheios e contando com um público bastante fiel, os meninos se entusiasmaram e esperam poder repetir a dose, passando novamente pelo continente assim que possível.  O The Edwoods cumpriu bem o seu papel: transformou acalmados palcos europeus em verdadeiros hospícios.  O rock and roll raiz, vibrante e enérgico de Andy e Eron, não há dúvida, conquistará todos os cantos do globo... O duo certamente dominará o mundo com sua música trash e seu trejeito psicótico.

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SIDAN ROGOZINSKI LANÇA NOVO EP: VALE MUITO A PENA ESCUTAR

Por Juliana Vannucchi

No início de junho, Sidan Rogoziński, talentoso músico do interior paulista, anunciou o lançamento do EP “Steatmeant”, que encontra-se disponível integralmente no Spotify. Com um total de sete faixas, dentre as quais encontram-se canções inéditas e singles antigos, Sidan, munido de seu violão e de sua potente voz, conduz os ouvintes através de uma sonoridade que os leva de volta ao melhor que os anos noventa ofereceu. Mas o EP não se restringe somente a essa espécie de viagem pela aura grunge. Ele conta também com experimentos musicais que, em alguns momentos, dialogam com o punk rock, como é o caso da faixa “Heart’s Ain’t Enought”, que é crua, veloz e minimalista, mas ainda assim, capaz de fisgar o ouvinte com seu refrão enérgico. Vale a pena destacarmos o hit “OH MAN!”, que consiste num verdadeiro e poderoso hino alternativo do universo musical de Sidan Rogoziński. Não é exagero algum dizer que essa faixa figuraria nas paradas globais dos anos noventa. "Sal" e "I Don't Hate You" são as mais sensíveis e tocantes do EP, as duas encantam e são capazes de agradar qualquer ouvinte que possua um gosto musical minimamente refinado. "Pequena Canção Para Pêssego Dormir" é uma ótima faixa e está entre as antigas que foram selecionadas para o EP. Por fim, temos o single "Outro Lugar", que é uma verdadeira ode poética.

 

O “Steatmeant” figura entre as mais empolgantes produções independentes do ano.

 

Cabe dizer ainda que Sidan, que atualmente trabalha como radialista, tem um passado musical elogiável e acumula um currículo vasto nesse meio. Ao longo de seu percurso, já ministrou aulas de violão e já fez parte de diversas bandas, como a “Divastrabica”, a “Medrar” e também a “Madreperola”, sendo que foi com esta que, em 2020, havia lançado sua última leva de produção musical inédita. E apesar de todas as suas contribuições com esses respectivos grupos terem terem sido admiráveis, podemos dizer que seu maior acerto está realmente no “Steatmeant”, que figura entre as mais empolgantes produções independentes do ano. Neste trabalho, de modo geral, Sidan Rogoziński mostra-se um artista mais maduro, criativo e confiante.

Para sorte dos amantes do bom e velho rock e dos fãs da cena musical independente, Sidan nos garantiu que há mais material para ser lançado. O músico, que acredita no potencial da arte, em seu alcance e valor, refletiu: “Arte é a expressão mais íntima de uma pessoa, suas visões e perspectivas. Quando uma peça de arte é feita com essa entrega ela se torna eterna, um monumento”. Aguardaremos ansiosamente os novos materiais desse brilhante artista brasileiro cuja voz, mesmo que desacompanhada de qualquer instrumento, já é por si, uma verdade obra de arte.

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ALICE BAG: LUTAS FORA DO PALCO E LEGADO HISTÓRICO

 Por Juliana Vannucchi e Pedrinho Sangrento

Alice Bag começou sua carreira musical muito cedo, liderando uma banda importante, a The Bags, da qual foi vocalista e compositora e que a levou a obter um prestigioso destaque na cena do punk rock norte-americano do final dos anos 70. Junto a ela, na formação inicial da The Bags estavam presentes duas outras lendas punks transgressoras, Alicia Armendariz e Patricia Morrison. O período de atividade do grupo foi curto, iniciando-se em 1977, ano consagrado em que inúmeras bandas punks emergiram nos EUA e na Inglaterra, e encerrando-se quatro anos mais tarde, em 1981.

Antes, porém, de travar contato com o universo musical e obter reconhecimento nesse meio, a vida de Alice foi marcada por momentos sombrios repletos de dificuldades. Ela cresceu no leste de Los Angeles com sua família, composta pela mãe, pelo pai e por sua meio-irmã, todos nativos do México. Nesse cenário, Alice teve uma relação um tanto complicada com o progenitor, pois ele agredia sua mãe diante de Alice. Em contrapartida, em partes ele à apoiava muito - possivelmente porque, cabe dizer, ela era sua única filha legítima. A mãe, por sua vez, era muito boa com Alice e com sua irmã. Bag, contudo, se incomodava com o postura passiva da mãe em relação aos atos de violência cometidos pelo pai e relatou até mesmo já tê-la confrontado seriamente a respeito de um possível divórcio, porém, alegando pensar no bem-estar de suas filhas, a mãe recusou prontamente sua sugestão, o que deixou Alice se sentindo um pouco culpada. Além dessas dificuldades domésticas, em sua adolescência, a jovem e tímida Alice foi vítima de bullying quando estava no Ensino Médio, e isso a levou a um estado de isolamento social, no qual contava apenas com a companhia de seus heróis musicais, como Elton John e David Bowie. Nesse âmbito, podemos entender que a música - tanto ouvida, quanto produzida por Alice - foi uma garantia de salvação e uma tranquilizante válvula de escape de sua conturbada realidade. Alice, certa vez declarou que nesse período, cultivou sentimentos de autossuficiência e independência, o que a levou, numa certa ocasião, a se vestir como David Bowie para ir à escola. Esse tipo de postura excêntrica se reflete bastante na persona energética e cheia de atitude que era Alice Bag  nos palcos.

Além disso, fora do universo musical, Bag, ao longo de sua vida, se afeiçoou por outras áreas, graduando-se em Filosofia, além de também ter trabalhao como professora, ministrando aulas de inglês. Na verdade, sua aptidão por cultura e o deslumbre de sua postura intelectual iniciaram-se na juventude, pois Alice,  quando ainda frequentava o Ensino Médio, decidiu aprimorar seu vocabulário e aperfeiçoar seu inglês, utilizando palavras extremamente sofisticadas no seu dia-a-dia e tentando as pronunciar da maneira mais clara possível.

 

"O punk nos permite falar o que pensamos". (Alice Bag)

 

Certa vez, num evento de cunho social no qual participou como ativista, declarou que o lugar do punk no movimento feminista consiste em manter-se sempre desafiador, chamando a atenção para coisas erradas que estão, infelizmente, enraizadas na sociedade. Nesse sentido, com bravura, Bag declarou: "O punk nos permite falar o que pensamos".  Ademais, vale citar que em sua admirável trajetória, já publicou alguns livros. Cabe nos atermos especificamente a um deles, chamado “Violence Girl” no qual, dentre outras abordagens, Bag comenta sobre como o caso de violência doméstica acima citado a fez envolver-se com o feminismo e querer lutar contra a opressão sofrida pelas mulheres. 

Além de tudo que já foi mencionado, a incansável Alice Bag tem bastante destreza com a pintura e, inclusive, já teve algumas de suas telas expostas. Também criou e ministra um acervo digital no qual há entrevistas com diversas mulheres que marcaram presença na primeira onda da cena punk do sul da Califórnia na década de setenta. É um arquivo composto por materiais históricos vastos e preciosos, no qual há conteúdos sobre diversas personalidades, como fotógrafos, músicos e escritores que fizeram parte dessa geração.

Alice Bag, como podemos ver, nos oferece uma herança inspiradora e de enorme importância que não se restringe ao meio musical. É uma mulher militante que carrega em si um brilho artistico e cultural verdadeiramente digno de admiração.

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THE SECRET DOOR: UM MERGULHO NO UNIVERSO POÉTICO DE CYNTHIA ROSS

 Por Juliana Vannucchi

A poesia é um movimento necessário da alma, por meio do qual exprime-se o indizível. É uma linguagem que escapa à razão e algumas pessoas, como Cynthia Ross, possuem o dom de despertar para esse fabuloso universo poético e assim, transformar o invisível em palavras. Foi isso que ela fez ao longo de todo seu percurso musical, durante o qual foi contrabaixista e também a principal letrista da cultuada banda canadense The 'B' Girls, que transformou em melodias memoráveis muitos dos poemas escritos por Cynthia Ross. Atualmente, ela vive em Toronto, sua terra natal. Está distante dos palcos e mais focada em escrever poesias, sendo esta uma atividade indispensável em sua vida e que desde a juventude fez parte da sua trajetória. Cynthia nos contou que na época do Ensino Médio, já tinha uma forte conexão com a música e com a arte. Nesse período, praticava balé, adorava desenhar, dançar e ler livros: “Fazia qualquer coisa que proporcionasse uma saída criativa e servisse como oportunidade para explorar o mundo da imaginação”. A respeito, particularmente de sua habilidade poética, refletiu: “A poesia é minha voz interior ou a voz dos anjos ou mesmo de outros seres. É o inconsciente universal que flutua ao nosso redor em reinos superiores. Geralmente escrevo de manhã, antes que as distrações do dia assumam o controle. Minhas inspirações são experiências… passadas, presentes e imaginadas, e também as emoções que são desencadeadas por tais experiências”.  

 

Cynthia Ross: "Muitas vezes me disseram que escrevo o que as pessoas sentem, mas não conseguem expressar em palavras". (Foto: Rick McGinnis)

 

Recentemente, durante uma turnê de leitura de poesias realizada em abril, Ross anunciou o lançamento de seu inédito álbum solo de spoken word, intitulado "The Secret Door", que está sendo comercializado em formato de CD e LP. Com isso, vemos que agora, a b-girl tornou-se uma verdadeira "beat girl poet", uma vez que nessa produção, a talentosa poetisa canadense faz leituras e também canta alguns de seus mais famosos poemas, sendo acompanhada pelo brilhante multi-instrumentista Tim Bovaconti, responsável pelos envolventes arranjos musicais nos quais encontramos uma  atmosfera sonora parcialmente misteriosa e caprichosamente complementada por um clima que flerta com traços do pós-punk e com elementos sonoros psicodélicos. Após esse lançamento, perguntei a Cynthia que tipo de efeito ela espera que sua poesia cause nos leitores e também quais são suas principais referências literárias. Ela declarou que seu processo criativo é livre e não envolve pretensões ou expectativas: “Muitas vezes me disseram que escrevo o que as pessoas sentem, mas não conseguem expressar em palavras. Não escrevo com nenhuma expectativa. Eu apenas escrevo o que vem”. E revelou que lê com bastante frequência e tem preferência por Leonard Cohen, Rumi, Sylvia Plath, Langston Hughes, Robert Frost, Irving Layton, todos os poetas da Geração Beat, Ginsberg, Nikita Gill, dentre outros. 

 

 

O "The Secret Door" abre portas novas e mágicas ao ouvinte.

 

Ao escutarmos esse prodigioso álbum, vivemos a experiência mágica de abrir novas portas que nos lançam para um universo diferente, no qual encontramos fragmentos do coração, das ideias, dos pensamentos e das histórias de vida de Cynthia Ross que, com uma imensa sutileza, descreve as tantas faces que moldaram sua realidade. Contudo, também encontramos a nós próprios em suas palavras e nas expressões de seus sentimentos e emoções. Dessa forma, as poesias de Cynthia Ross são capazes de penetrar nosso espírito e servir como espelhos metafísicos nos quais somos capazes de nos decifrar. "The Secret Door" é um trabalho competente que oferece ao ouvinte um conteúdo intenso e apaixonante.

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"ARTE NÃO É COMODIDADE": PAUL TALBOT REFLETE SOBRE SEUS DESENHOS E SOBRE O UNIVERSO ARTÍSTICO

 Por Juliana Vannucchi

Paul Talbot, residente de Piedade, uma singela e fria cidade localizada no interior paulista, é um talentoso desenhista e quadrinista que ao longo dos últimos anos, viu suas produções artísticas lhe renderam cada vez mais destaque e reconhecimento. Em sua vasta bagagem, acumula participações em diversos eventos culturais, como o Ilustra Comic Fest, ocorrido em 2023, o Gibi SP, que também aconteceu no ano passado, além de ter marcado presença no Palco Livre, em sua cidade natal, no Sesc Sorocaba, e na XXVII Feira do Beco do Inferno, que também ocorreu em Sorocaba, em 2024. E aliás, foi justamente nesse último evento citado que eu conheci o trabalho de Paul Talbot. Na referida Feira, que reuniu uma quantidade volumosa de diferentes e habilidosos artistas da região, o universo visual criado por Paul e sua forma de expressão artística, atraiu particularmente a minha atenção. Foi justamente essa experiência que deu vida ao presente texto. Lembro-me claramente que no instante em que me deparei com as criações de Talbot, percebi de imediato que seus desenhos pareciam captar a atmosfera sombria das histórias de Edgar Allan Poe e misturá-las com os elementos fantásticos de Lovecraft. Como resultado, suas ilustrações me pareceram verdadeiros portais que se abrem para um mundo paralelo, no qual encontramos criaturas mágicas e ambientes despóticos. Conversando com o artista, fui capaz de compreender melhor suas perspectivas sobre a arte e as propostas que pairam por trás da  originalidade de suas ilustrações, que nos transportam tão facilmente para além dos limites habituais do espaço e do tempo. 

 

Paul Talbot entende que um dos principais significados da arte é o espírito de revolta que ela desperte no ser humano.

A arte entrou na vida de Paul por meio da escola e através de programas televisivos. A partir disso, desde a tenta idade, ele passava horas imerso em seu processo criativo e sempre se empenhava em aprimorar suas técnicas. Os anos se passaram e Talbot nunca parou desenhar, nutrindo sempre uma imensa paixão por essa atividade. O quadrinista entende que a arte, sua eterna companheira, deve ter espaço na vida de todas as pessoas, pois assim como ela sempre foi relevante para ele, pode ser também prazerosa e transformadora para qualquer um: “Penso que a importância da arte para o ser humano e para a sociedade em si, é algo imensurável. Até mesmo boa parte daquilo que é consiste na arte mainstream, muitas vezes teve em sua origem numa fonte que demandou criatividade, ou seja, exigiu um modo novo de produzir. Por mais, é claro. que seja um saco ver o corporativo "capitalizar" em cima dessas coisas, é de suma importância existir essa autenticidade... Essa postura de não se curvar diante da indústria mainstream, de não perder sua identidade mediante as cobranças que ela faz, evitando contaminar-se por ela. O artista seguiu sua reflexão sobre o tema: “Eu mesmo não vejo problema algum no fato de eu não viver da minha própria arte e tê-la apenas como hobby, como uma paixão, contanto que ela permaneça autêntica ao invés de se tornar um “produto” que visa seguir tendências específicas. Acho que foi o David Lynch que certa vez disse que “viver a vida artística é uma vida de trabalho".

 

Paul ostenta um brilhantismo estético especial em suas produções que são, na maior parte das vezes,  permeadas por elementos fantásticos, pelo horror e por referências a símbolos e criaturas mística.

 

A partir das considerações e diálogos acima, perguntei a Talbot se ele acredita, levando em conta o atual contexto da realidade brasileira, ser possível viver apenas de arte. A esse respeito, o ilustrador respondeu, de maneira meditativa: “Bem... Dar aula de arte é viver de arte, por mais que não consiste numa venda direta da obra artística em si? Ou, então, viver de arte seria viver da arte sem "comprometer" a visão artística? Ou poderíamos aceitar nesse sentido alguns desenhos feitos sob encomenda? Isso sem contar a necessidade de correr atrás de projetos culturais e eventos para participação e venda da arte, além de divulgação e etc. Então, em suma, acredito que seja possível... Mas não há uma "fórmula" específica para isso; há caminhos, meios. No campo artístico é preciso dar “os pulos” (risos) e mesmo assim, não há segurança ou garantia”.

Paul ostenta um brilhantismo estético especial em suas produções que são, na maior parte das vezes,  permeadas por elementos fantásticos, pelo horror e por referências a símbolos e criaturas místicas. Tudo isso se expressa através de detalhes impressionantes e de uma enorme variedade de cores. Nesse sentido, o ilustrador nos contou que, embora trabalhe com fan-art, também dá vida aos seus próprios personagens: “Crio tanto obras originais, quanto fan-art. Fan-art, no caso envolve esboçar um determinado personagem que já existe, contudo, eu faço isso sempre dentro do meu próprio estilo de desenho, valorizando os meus traços. A ideia dos personagens, cenários e etc. sempre está alinhada com algo que quero contar. Muitas vezes ocorre, portanto, uma espécie de simbiose para fazer a narrativa funcionar. Às vezes, basta eu pensar numa "imagem" ou "fala" para começar a construir uma história ao redor disso”. O artista revelou ao Fanzine Brasil que por meio dessas abordagens, pretende surpreender e também articula-se para gerar um certo desconforto naqueles que contemplam seus desenhos: “Tento fazer algo que cause uma espécie de "impacto visual" capaz de misturar o belo e o grotesco. Uma repulsa atraente, eu diria”. 

 

"Sempre tive interesse em desenhar os arcanos maiores porque adoro a estética de tais cartas" (Talbot)

 

Um dos legados mais autênticos do jovem ilustrador e que chama a atenção pela engenhosidade, é seu baralho de tarot. A esse respeito, nos contou: “Foi meu projeto do Inktober de 2022. Sempre tive interesse em desenhar os arcanos maiores porque adoro a estética de tais cartas. A ideia de fazer a temática horror industrial/mecânico veio do filme "Tetsuo: O Homem de Ferro". Porém, eu busquei transmitir a ideia do ser humano sendo usado como matéria prima para uma indústria comandada por uma inteligência artificial. Até mesmo os números e nomes das cartas, além da forma habitual, também são descritos com código binário e código baudot, respectivamente. Que é pra dar mais ainda essa impressão de ser a "máquina" no comando de tudo. O código baudot foi uma homenagem ao conto "I have no mouth, and I must scream" do Harlan Ellison. 

Para encerrar nossa produtiva conversa, Paul Talbot também discorreu sobre o significado arte e sobre a importância do espírito de revolta que ela envolve, podendo, a partir de tal estado, libertar o ser humano das tantas amarras que o cercam: “Arte não é comodidade. É preciso acreditar na visão, no processo. Deve haver revolta… e que essa revolta sirva como fonte de inspiração”. Artistas como Paul impressionam pelo modo através do qual brincam com suas imaginações e, dessa forma, conduzem os espectadores para caminhos inusitados, diferentes do convencional. Por isso, podemos seguramente afirmar que o dom de arte corre nas veias de Talbot, que possui maestria em sua habilidade, além de carregar em si um notável e inesgotável ímpeto de criatividade.

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