A PROPOSTA PACIFISTA DE LENNON É UMA PRÁTICA POSSÍVEL?

Por Juliana Vannucchi

Há três figuras icônicas que todos que vivem no Ocidente certamente conhecem: Jesus Cristo, Adolf Hitler e John Lennon. Lennon, é claro, é o melhor dos três. O músico inglês, além de ter se destacado como vocalista dos Beatles, também se tornou um dos maiores pacifistas do século, tendo envolvimento crítico e forte militância em diversas questões políticas e sociais. Não à toa, foi um dos responsáveis por pavimentar os caminhos da cultura hippie, cujas raízes possuem clara inspiração em muitas de suas atitudes e discursos. 

As contribuições e lutas de Lennon pela paz foram inúmeras, e nesse sentido a música sempre foi o principal meio de protesto. Exemplos não faltam: em 1970, o músico presenteou o mundo com a famosa canção "Give Peace a Chance", através da qual se posicionou veementemente contra a Guerra do Vietnã. Pouco depois, Lennon também se manifestou politicamente, postando-se contra a participação da Grã-Bretanha na Guerra Civil Nigeriana. Vale citar ainda as clássicas e populares músicas “All You Need Is Love”, lançada em 1967, cuja letra pretendia veicular uma mensagem objetiva capaz de ser compreendida em todo o planeta, e “Revolution”, de 1968, que expressa um discurso antiviolência, mensagens humanistas e um ideal pacifista de mundo. Em tal contexto, cabe lembrar que a célebre e famosa frase “Faça amor, não faça guerra”, que se tornou lema da contracultura e ainda reverbera em nossos tempos, também é de autoria de Lennon. E não podemos deixar de citar a famosa faixa "Imagine", lançada originalmente num de 1971, e aclamada até hoje nos quatro cantos do planeta, tornando-se um hino atemporal pela paz. Curiosamente, até mesmo Fidel Castro, que vetou as canções dos Beatles durante seu governo, rendeu-se à música e ergueu uma estátua em homenagem a Lennon. Falando nisso, vale citar que o próprio músico, aliás, chegou a associar a faixa com o comunismo: "Imagine que não exista mais religião, imagine que não exista mais país algum, imagine que não exista mais política' é virtualmente um manifesto comunista, mesmo que eu não seja particularmente comunista e não pertença a nenhum movimento". Por outro lado, apesar dessa aproximação com bandeiras comunistas, entenda-se que o princípio de antiviolência defendido por Lennon estava além de qualquer bandeira e por isso chegou a incomodar e gerar atrito com uma ala da esquerda britânica que acreditava que a destruição deveria anteceder qualquer revolução, discordando, assim, do conceito pacifista de Lennon. Em suma: exemplos do engajamento do artista não faltam.  

 

Não seria incoerente ou mesmo contraditório pensarmos que para atingirmos a paz, precisamos, necessariamente, de meios violentos?

 

Neste ponto de nossa abordagem, torna-se válido examinar com mais atenção o conceito de antiviolência que foi amplamente defendido pelo ex-Beatle e ao qual nos referimos brevemente no parágrafo acima: Lennon adotava assumidamente uma postura antiguerra, o que significava que para ele a violência poderia ser evitada em qualquer circunstância, pois não seria um caminho sensato para a resolução de problemas e muito menos seria o único meio existente para a obtenção da paz. Esta, segundo o músico, poderia ser alcançada por outras vias, sem que houvesse destruição, bastando disposição e esforço dos lados envolvidos. A letra de “Revolution” aborda justamente essa questão e elucida bem a perspectiva pacifista de Lennon. Isso pode ser notado no seguinte trecho, no qual nota-se que, embora a maior parte das pessoas almeje mudanças e se disponha a lutar por elas, muitas vezes apoiam-se na violência para atingir seus objetivos tidos como pacíficos.  Lennon coloca-se fora dessa rota, reprovando essa postura: 

“Você diz que quer uma revolução
Bem, você sabe
Todos nós queremos mudar o mundo
Você me diz que isso é evolução
Bem, você sabe
Todos nós queremos mudar o mundo
Mas quando você fala de destruição
Você não sabe que não pode contar comigo?”

Globalmente falando, é certo que a maior parte das pessoas, de fato, conforme sugere o músico inglês, deseja mudanças e profere discursos a favor da paz. Um mundo sem guerra, com mais harmonia, justiça e igualdade parece sempre um ideal nobre pelo qual deve-se nutrir esperança e pelo qual todos devemos nos engajar. Lennon constata isso na passagem examinada acima, colocando-se como uma dessas pessoas em busca de mudanças positivas. No entanto, como vimos, ele se situa fora da multidão de indivíduos que clama e mesmo pratica a destruição para a obtenção da paz, e levanta com isso o seguinte problema: não seria incoerente ou mesmo contraditório pensarmos que para atingirmos a paz, precisamos, necessariamente, de meios violentos?

Após se unir à contestada Yoko Ono, o músico deixou a carreira com os Beatles de lado para se dedicar de vez ao seu engajamento pacifista. A dupla marcou presença em diversas campanhas humanitárias. Em 1969, após se casarem, passaram a lua de mel numa cama – a famosa bed peace - no Hotel Hilton, na capital da Holanda. Enquanto estavam lá, recebiam jornalistas todos os dias. Numa das entrevistas realizadas na ocasião, Lennon, conforme divulgado pelo portal DW, declarou: "Todos falam de paz, mas ninguém faz nada por ela. A gente pode deixar crescer os cabelos ou renunciar a uma semana de férias pela paz. O importante é que ela só pode ser atingida com métodos pacíficos. Combater um sistema com as armas é errado. Eles são milhares e ganhariam sempre. Se quiserem te apagar, te matam”.

O conceito de antiviolência é uma possibilidade plausível que pode ser efetivamente aplicada em nossa realidade?

 

Teoricamente, o tipo de discurso propagado pelo músico é tocante, e não há dúvida de que seus feitos continuam inspirando ativistas do mundo inteiro e dos mais diversos movimentos sociopolíticos. Lennon, de fato, foi um militante enérgico, e certamente seu engajamento foi muito determinante para o mundo. Mas será que as lutas de Lennon continuam fazendo sentido em nossos tempos? O conceito de antiviolência é uma possibilidade plausível que pode ser efetivamente aplicada em nossa realidade? Ou Lennon foi apenas um sonhador utópico, já que ele mostra, afinal, que para algumas pessoas, só é possível atingir sua finalidade (no caso, a paz), através daquilo que é justamente o que a própria finalidade combate (conflito, agressão, guerra, etc.)? Ademais, todas essas colocações podem nos levar a meditar sobre o fato de que a própria paz pode ser uma utopia ou um estado que jamais será globalmente atingido e que nós, conforme Lennon sugeriu em “Imagine”, somos meros sonhadores... 

A questão fica aberta e o problema parece difícil de ser solucionado. Neste caso, atenhamo-nos ao debate, que por si só já é algo indispensável. 

Referências:

MILANI, V. P. ‘We all want to change the world’: John Lennon, Yoko Ono e a nova esquerda. Ideias, [S. l.], v. 9, n. 2, p. 189–208, 2018. DOI: 10.20396/ideias.v9i2.8655182. Disponível em: https://periodicos.sbu.unicamp.br/ojs/index.php/ideias/article/view/8655182. . 

https://pt.wikipedia.org/wiki/All_You_Need_Is_Love.

https://www.dw.com/pt-br/1969-lennon-e-yoko-dormem-pela-paz/a-480475.

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ROCK, FEMINISMO E SUPERÇÃO: A TRAJETÓRIA ARTÍSTICA DE FABI BELLENTANI

Por Juliana Vannucchi 

"A vida de uma pessoa tem valor quando ela atribui valor à vida das outras, seja por meio do amor, da amizade, da indignação ou da compaixão".

 Simone de Beauvoir 

Fabi Bellentani é uma musicista sorocabana de destaque na cena independente local. Atualmente, é produtora musical e baixista, sendo que no passado sua trajetória artística foi especialmente marcada pelo enorme destaque que obteve com sua banda “Flip Chicks”, cuja carreira foi curta, mas explosiva e marcada por grande sucesso e reconhecimento. 

 A história de Fabi, no entanto, começou a ser desenhada muito antes da existência da banda dar seus primeiros passos. Foi no final da infância que a sorocabana começou a se encontrar no universo musical. Nesse período, Fabi começou a tocar órgão depois de conhecer o instrumento na casa de um vizinho. Seus pais a colocaram num curso e compraram um órgão para a filha, que logo se familiarizou com ele. Porém, infelizmente, o instrumento precisou ser vendido para suprir dificuldades financeiras. No entanto, seu vínculo com a música permanecia forte. Fabi sempre gostou de cantar e se lembra: "Eu cantava bastante, em todos os cantos de casa e às vezes na escola, mas era muito tímida. Tinha vergonha de absolutamente tudo". Anos mais tarde, porém, perto dos trinta anos, sua vergonha seria superada pela paixão, pois Fabi começou a se aproximar cada vez mais da cena independente de Sorocaba, frequentando locais como o Asteroid e o Carne de Segunda, espaços alternativos que despontavam na cidade e ofereciam oportunidades para compositores e bandas autônomos: "Nesse período, influenciada pela cena que se fortalecia, voltei a estudar música. Lembro que certa vez eu simplesmente coloquei na cabeça que queria montar uma banda só de meninas. Isso aconteceu basicamente porque eu percebi que o mercado musical era essencialmente machista e eu queria mudar isso de alguma forma”. Fabi, então, passou a buscar musicistas mulheres que estivessem dispostas a embarcar nessa aventura. Conheceu a Stela Maris no Asteroid, conforme se recorda: “Estávamos dançando na pista, nunca antes havíamos conversado e eu, subitamente, propus que criássemos uma banda. Ela topou e imediatamente abraçou a ideia. Na semana seguinte, a Stela arranjou uma bateria e eu consegui um baixo". A partir de então, Bellentani aprendeu a tocar o instrumento de maneira autodidata. Izzy Fernandes se juntou ao grupo assumindo a guitarra. 

Assim surgiu a banda “Flip Chicks”. O trio teve uma ótima interação desde o início e, em 2013, o primeiro EP, que era essencialmente autoral, foi lançado. As letras das músicas compostas pelas integrantes, de modo geral, falavam sobre a luta da mulher pela liberdade, pela conquista e consolidação de seu espaço social. A banda foi elogiada e amplamente divulgada em Sorocaba e região. E as fronteiras não foram um entrave, pois o trio chegou a tocar num festival feminista, produzido por um coletivo de mulheres no Rio de Janeiro, em que todas as bandas eram lideradas por meninas. 

 Tudo fluía de uma maneira positiva e inesperada. Fabi estava cada vez mais acostumada com os palcos quando, em 2015, sofreu um grave acidente de trabalho. Como consequência dele, uma vértebra da lombar saiu do lugar e empurrou o ciático. A dor era intensa e Fabi precisou fazer uma cirurgia, no dia 11 de setembro. A baixista se recorda da ocasião: "Entrei no hospital andando e fiquei paralítica durante o processo cirúrgico. Tive uma hemorragia séria... Quando voltei da anestesia, não sentia as pernas. Os médicos e enfermeiros disseram que isso era normal e que os movimentos voltariam dentro de 48 horas, mas para surpresa deles e minha também, isso não aconteceu". A partir daí, a música, o baixo e os palcos se tornaram uma lembrança nebulosa para a artista sorocabana. A banda estava definitivamente acabada. Fabi então começou um longo e desgastante processo de fisioterapia: "Lembro que a minha perna direita até voltou a ter uma reação, mas isso, infelizmente, era insuficiente para que eu pudesse andar. A perna esquerda não voltava, parecia desconectada do meu corpo". Foram inúmeros tombos para subir na cadeira de rodas, muitas lágrimas derramadas, dificuldades e mudanças vividas na época. Os diferentes médicos que frequentou asseguraram que Fabi não voltaria a andar e sugeriam que ela se conformasse: "Mas eu dizia a mim mesma: isso não é uma opção". Com ajuda da fisioterapeuta, que Fabi descreve como "um anjo", gradualmente e com muito esforço, conseguiu finalmente recuperar os movimentos das duas pernas. Ao longo desse árduo processo, que exigia muita dedicação e fazia com que sentisse dores agudas na coluna, Fabi também precisou enfrentar a trágica perda do pai, que foi uma figura indispensável para que ela encontrasse forças para voltar a andar, pois era ele que sempre a acompanhava quando ela já estava conseguindo caminhar de muletas. Depois de seu falecimento, durante um período, Fabi abandonou o tratamento fisioterapêutico e entrou num estado emocional delicado e, embora não tenha religião, encontrou um pouco de conforto e esperança em doses de ayahuasca e rituais xamânicos, que a ajudaram a retomar seu caminho e ter forças para seguir. Ela, então, retornou à fisioterapia e voltou a caminhar. 

 

"Fabi não apenas se dedica à música, sua personalidade também está intimamente ligada ao contexto político, no qual possui bastante engajamento".

 

Em 2020, contudo, antes do início da pandemia, descobriu que tinha uma doença denominada espondilite anquilosante e, por mais que o conhecimento do diagnóstico tenha sido um choque, também, de certa forma, foi libertador, pois Fabi pôde, então, compreender porque sentia tanta dor após a cirurgia feita na coluna. Nessa época, durante o confinamento, juntou-se com multi-instrumentista Sidan Rogozinski e com o guitarrista Rafael Santos. Ela foi vocalista e responsável pela mixagem e composição do debut da banda, intitulado “Prefácio”. Foi uma experiência significativa que indicava que Fabi estava finalmente voltando a ser ativa no meio musical. No entanto, nessa época, apesar do entusiasmo com o projeto, Bellentani ainda sentia muito incômodo com as dores na coluna e optou por se afastar do projeto. Em dezembro de 2022, por meio do SUS, Fabi começou a fazer o tratamento adequado para a doença mencionada e, desde então, está finalmente sem dor: "Apesar de estar me aproximando da música há algum tempo, foi no final do ano passado que eu, de fato, voltei a estudar contrabaixo e retomar de vez a minha vida de uma maneira mais organizada". Fabi também refletiu: “A música nunca saiu da minha vida, mas a condição de saúde trouxe várias limitações e prioridades. Nos últimos anos, contudo, quando deixei as muletas, fui voltando a compor e editar faixas. Recentemente realizei cursos de produção musical, sendo um deles feito com o talentoso Paulo Anhaia. Atualmente estou aprendendo a tocar guitarra e também estou começando a me familiarizar com a bateria. Sinto que agora estou finalmente de volta”. 

Mas hoje Fabi não apenas se dedica à música, sua personalidade também está intimamente ligada ao contexto político, no qual possui bastante engajamento. Sua vida é atualmente marcada por protestos e críticas à extrema-direita, combate a ideologias fascistas e especialmente por uma luta interminável contra o ex-presidente Jair Bolsonaro, cuja gestão é lembrada por uma série de mentiras e pelo genocídio pandêmico. Sua repulsa a ele, entretanto, não surgiu nos últimos anos: “Em 2016, comprei uma camiseta na qual estava escrito "Bolsonaro, seu bosta". Na época eu já era ameaçada na rua quando a usava. 

 

"Penso, sinceramente, que as meninas desde cedo deveriam saber distinguir, observar esses aspectos sociais machistas para que, então, aprendam a batalhar contra tais injustiças".

 

Atualmente, Fabi também está trabalhando na faixa cover que está sendo criada com o artista Weslley Joanes, de São Paulo, além estar se dedicando à produção uma música autoral, que está sendo elaborada numa parceria feita com o músico sorocabano Lucas Souza. Ademais, Bellentani nos revelou que está dando vida a um projeto que será realizado ao lado da artista Amanda Costa. O primeiro EP que a dupla lançará será temático, composto por um total de seis faixas, contará somente com a participação de musicistas mulheres, e as letras narrarão a história de uma mulher fictícia, vítima de machismo, que sofre uma série de violências que outras mulheres também enfrentam no dia a dia. O projeto é embrionário e ainda não há previsão de lançamento. Além disso, na realidade, de modo geral, Fabi, no momento, tem tanto uma vida quanto um processo musical intimamente ligados à política. A artista considera que o feminismo é uma luta necessária. Essa perspectiva surgiu após o estudo do livro “História do Patriarcado”, que a despertou de vez para uma visão crítica a respeito de um grave problema social. Fabi, nesse sentido, acredita que toda mulher deve lutar. A baixista refletiu: “O feminismo é um conhecimento que permite que a mulher se iguale aos homens. Sabemos que os salários entre ambos, por exemplo, são desiguais para os mesmos cargos. Por que isso ocorre? Como concordar com algo assim? Eu já senti isso na pele. Penso, sinceramente, que as meninas desde cedo deveriam saber distinguir, observar esses aspectos sociais machistas para que, então, aprendam a batalhar contra tais injustiças. O feminismo, pra mim, portanto, é uma luta necessária”. Nesse sentido, Fabi compreende que a religião é um dos tantos elementos que acorrenta as mulheres e as prende num modelo de vida limitador e opressor, que faz com que elas sejam existencialmente anuladas diante dos homens. Cabe lembrar, inclusive, que o single de maior sucesso de sua ex-banda “Flip Chicks” chama-se “No Religion”. 

Há alguns anos, Fabi, após muito empenho, finalmente terminou de criar um estúdio profissional em sua própria casa e desde então se propôs a abrir o espaço para receber artistas interessados: “A música tem que ser universalizada. A arte, em si, precisa ser compartilhada”. A intenção é gravar faixas e mesmo álbuns completos de cantores e bandas independentes. Fora do âmbito musical, Fabi se dedica a estudos e leituras diversos, tendo recentemente despertado um profundo interesse pela obra de Karl Marx e pela filosofia ocidental. Ademais, eventualmente, ocupa-se com colagens, sendo algumas delas temáticas, explorando temas específicos - como o feminismo, por exemplo, como é possível ver na imagem abaixo. 

A história de Fabi Bellentani, assim como a das próprias mulheres, é o retrato de combates, perdas e conquistas. Mas, sobretudo, é uma história inspiradora de persistência, garra, paixão pela vida e amor pela música. Sabemos que seu talento ainda irá gerar muitos frutos e legados enriquecedores para a cena underground brasileira.

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YOUNG PUNKS WANTED: A HISTÓRIA DE LORA LOGIC POR ELA MESMA

Por Juliana Vannucchi

Lora Logic é um dos nomes mais respeitados da história do punk rock. Ela se eternizou ao lado de Poly Styrene, vocalista da banda X-Ray Spex, na qual Logic tocou saxofone. Tive a honrosa oportunidade de conversar com a Lora e conhecer um pouco melhor sobre sua história. 

O primeiro assunto que surgiu foi o seu passado. Lora lembrou carinhosamente de sua infância, de como a música entrou em sua vida, transformando-a para sempre, e do papel significativo que a mãe teve nesse processo tão marcante: “Tudo começou com a minha mãe. Ela cresceu numa fazenda na Finlândia e por isso nunca teve a oportunidade de aprender algum instrumento ou dedicar tempo à arte. Então, quando ela se mudou da Finlândia para a Inglaterra, quis que eu meu irmão aprendêssemos a tocar instrumentos, pois ela adorava música”. Foi então que por volta dos 5 anos, na escola, Lora começou a ter aulas de violão, violino e piano, mas achou essa rotina entediante e um tanto desestimulante: “Então, disse pra minha mãe que queria mudar e ela propôs clarinete, aulas de canto”. Porém, depois de conhecer as músicas de David Bowie, pelas quais se encantou, passou a se interessar pelo saxofone: “Pensei que meus pais não comprariam porque era caro, mas certo dia, para minha surpresa, voltei da escola e lá estava o mais belo saxofone esperando por mim. Eu simplesmente não acreditei. E comecei a tocar três, quatro, cinco horas por dia. Eu amava o som, tão alto e barulhento e, certamente, os vizinhos não gostavam nada dos barulhos que eu fazia. Tive algumas poucas aulas com um músico que era excelente, embora não fosse um professor tão bom. Eu aprendi mais através da prática”. Inicialmente, foi inspirada por riffs de clássicos do rock, como Chuck Berry e Bil Hayle And The Comets, pelos quais nutria uma enorme admiração. 

Mas, afinal, como Lora migrou de uma adolescente que apreciava esses nomes lendários para o caótico universo punk? Antes de entrar para a banda X-Ray Spex, Lora conta que tinha uma rotina solitária com seu instrumento: “Eu tocava saxofone sozinha no meu quarto, mas houve um momento em que isso começou a ficar meio chato pra mim. Eu queria tocar em alguma banda, embora não soubesse como ou em qual, exatamente. Bowie e T-Rex eram meus heróis na época, e eu pensava que se eles chegaram lá, eu talvez também poderia. Naquele período, se você queria entrar numa banda, mas não conhecia ninguém da área, você procurava algo nos jornais. Foi assim que, um dia, ela encontrou um anúncio intitulado “Young Punks Wanted”. Lora confessou que não sabia do que se tratava a palavra “punk”, nunca tinha ouvido falar a respeito do punk rock: “Na verdade, pensei que poderia ser alguma expressão americana, mas aquilo chamou minha atenção, me prendeu e achei muito interessante. Entrei em contato com o manager, eles disseram que não estavam necessariamente procurando um saxofonista, mas me deram a oportunidade de ir até eles”. 

 

"O público era poderoso, não tirava o olho do palco e ficava vidrado na performance dinâmica da Poly S."

 

Perguntei a Lora qual foi a sensação de se encontrar com Poly pela primeira vez. Sua voz mudou com essa questão, demonstrando afeição e alegria com as memórias resgatadas. No primeiro encontro entre as duas, Lora tinha apenas quinze anos: “Quando a vi pela primeira vez, Poly que abriu a porta para me receber e ela estava vestindo exatamente a mesma coisa que eu (risos). Isso foi realmente incrível! Ela me recebeu e deu uma risadinha. Assim que eu a vi, eu me senti totalmente confortável com ela, era como se nós já nos conhecêssemos há bastante tempo. Havia uma conexão cósmica muito forte entre nós e penso que talvez já nos tenhamos conhecido em vidas passadas. No final das contas, tanto a Poly quanto o mananger gostaram da ideia de uma saxofonista tão jovem na banda”. O resto é história. Lora refletiu sobre a dificuldade que tem para descrever a energia dos primeiros gigs do X-Ray Spex: “Foi algo eletrizante, único e revigorante, pois havia muita química na banda. O público era poderoso, não tirava o olho do palco e ficava vidrado na performance dinâmica da Poly S. Havia uma combinação de elementos que era simplesmente única”. Ela observou também que a plateia era composta por pessoas incríveis, como a Jordan Mooney e Soo Catwoman, por exemplo, e que as pessoas que frequentavam o show se caracterizavam por sua individualidade e pela excentricidade, aspectos esses que faziam com que os gigs fossem ocasiões muito especiais. 

O primeiro single da banda X-Ray Spex, "Oh Bondage Up Yours!" foi lançado em 1977, e o debut, Germ Free Adolescents, em 1978. Lora não permaneceu muito tempo com a banda e em 1979 criou o grupo “Essencial Logic”. O primeiro álbum, "Beat Rhythm News" foi lançado no mesmo ano, mas logo no começo de 1981 a banda se separou. No entanto, em 2022, após um longo período, os fãs foram surpreendidos com o lançamento do elogiável álbum “Land Of Kali”.

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FILHO DE VICENTE CECIM TRANSFORMA OBRA DO PAI EM MÚSICA

 Por Juliana Vannucchi

Vicente Cecim, nascido em 1946, na cidade de Belém, foi um célebre poeta, escritor, cinegrafista e jornalista paraense. Com mais de dez obras publicadas e inúmeros filmes lançados ao longo de sua trajetória, que começou nos anos setenta, conquistou enorme reconhecimento por parte da crítica e do público, tornando-se um dos maiores nomes da cultura paraense. O sucesso rendeu-lhe inúmeras homenagens e prêmios, tanto nacionais quanto internacionais. Em 1988, por exemplo, Cecim recebeu duas premiações no Grande Prêmio da Crítica da APCA (Associação Paulista dos Críticos de Arte). Também foi homenageado mais recentemente, em 2020, na 24ª Feira Pan-Amazônica do Livro e das Multivozes, além de inúmeras outras ocasiões. O núcleo de suas produções artísticas e culturais consiste, em suma, numa abordagem metafísica da floresta amazônica. A produção literária de maior sucesso do escritor chama-se “Viagem à Andara”.

Cecim faleceu em Belém, em 14 de junho de 2021, após longa batalha contra o câncer. Desde então, seu filho Bruno Cecim, fotógrafo e cinegrafista residente na capital paraense, empenha-se em preservar cuidadosamente a memória e o legado do escritor: “Principalmente após seu falecimento, comecei a homenageá-lo de diversas maneiras. Já fiz, por exemplo, documentários e alguns outros projetos que visam enaltecer a obra de meu pai, que sempre foi um artista amazônico de grande importância local”. Neste ano, Bruno anunciou em suas redes sociais que está musicalizando poesias e trechos escritos pelo pai num projeto essencialmente D.I.Y, pautado no manejo de programas virtuais, intitulado “CecimExperiência”, que através de uma união entre música e literatura, busca fazer com que o trabalho de Vicente ressurja: “É um formato inovador, algo diferente de tudo que já fiz por meu pai. Inicialmente, eu fazia tributos a ele que estavam sempre dentro da minha própria área de atuação, usando fotos e vídeos. Posteriormente, achei que seria interessante fazer experimentos musicais”. Partindo disso, Bruno começou a gravar recitações de trechos de textos e poesias de Vicente Cecim, adicionando bases musicais e efeitos sonoros como pano de fundo. Desde então, fez vários trabalhos experimentais intuitivos, criando de maneira autoral as melodias de cada instrumento, e fazendo sozinho a edição de todo o material, até chegar num resultado que considerou apropriado, conforme explicou: “Eu recitei e cantei. Não me prendi a um estilo musical específico e não parti de nenhum pressuposto particular. Fiz vários testes com sons e melodias diversificados, como folk e música eletrônica, por exemplo”. Apesar da produção ser independente, cabe notar que Bruno ousa assertivamente em suas criações ao utilizar vozes de outras pessoas para enriquecer suas criações musicais. Para algumas faixas, ele contou, por exemplo, com a participação colaborativa de sua filha e também de um senhor residente de Belém, com o qual tem amizade.

Através do projeto CecimExperiência, Bruno compartilha suas inspirações com o mundo.

Apesar do projeto ser novidade, a música sempre esteve fortemente presente na vida de Bruno, que sempre mostrou talento e afinidade com o mundo musical. No período em que viveu em São Paulo, antes de se firmar na área da fotografia, com a qual trabalha até hoje, chegou a tocar em diversas bandas, nas quais ajudou com os vocais e contribuiu também como baterista, desenvolvendo um interesse especial por instrumentos de percussão, tendo, inclusive se aperfeiçoado com tais instrumentos através de cursos. Ademais, Bruno, ao longo de sua trajetória, também aprendeu a tocar violão, conhecimento que contribui consideravelmente para a criar bases sonoras, produzir e editar músicas. Vale observar ainda que seu talento e conhecimento são bastante ecléticos, e prova disso é que Bruno já participou de grupos musicais de gêneros diversos, como rock, forró e reggae. Nessa fase de sua vida na qual esteve diretamente ativo no meio musical, pode se familiarizar estúdios profissionais e palcos, ambientes que lhe deram parte da experiência que possui agora.

Para colocar as ideias em prática e dar à luz esse criativo universo sonoro, Bruno precisou ler os textos de seu pai de uma maneira mais profunda e atenciosa, o que o fez perceber de uma forma ainda mais acurada a importância do material. Sobre os resultados, Cecim, satisfeito, refletiu: “Espero que chegue até várias pessoas e que elas possam sentir nas melodias a essência do trabalho do meu pai. A música tem o papel tanto de entreter como, principalmente, de despertar sensações e pensamentos mais profundos. Ademais, o projeto pode servir, digamos, como um cartão de visitas, despertando interesse pelos livros dele. Meu pai merece toda essa dedicação e o reconhecimento que tem recebido ao longo dos anos”. 

O CecimExperiência é um mergulho no universo onírico de Viagem a Andara e oO livro invisível, criada pelo escritor Vicente Franz Cecim.

Bruno Cecim, entendendo que a música é uma linguagem universal, democrática, de grande alcance, que dialoga com a alma das pessoas, pretende levar o Cecim Experiência adiante e se propõe a estabelecer diálogos entre o projeto e outras artes. Nesse sentido, cogita subir em palcos, realizando performances artísticas e criando clipes musicais e até mesmo vídeo mappings. Ademais, o artista paraense, que tem obtido notável destaque e reconhecimento com suas produções musicais, relevou ao Fanzine Brasil que também quer dar vida às suas próprias composições, independente do trabalho do pai.
    
As músicas de Bruno Cecim consistem num universo mágico, ilimitado e transcendente, e convidam o ouvinte a vivenciar experiências sensoriais diferenciadas e diversificadas. Bruno é um artista de enorme potencial que certamente irá figurar entre os grandes nomes da música independente brasileira.  
    
Para conhecer o CecimExperiência, basta acessar o link abaixo:

https://brunocecim.wixsite.com/cecimexperiencia

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27/05: SIOUXSIE SIOUX

Por Juliana Vannucchi

Este aniversário de Siouxsie Sioux é particularmente especial, uma vez que acontece justamente no ano e no mês em que a cantora retomou as turnês, voltando aos palcos após uma década. Ao longo desse período de inatividade, Siouxsie silenciou-se, teve uma vida reservada e manteve-se distante dos holofotes. A maior parte dos fãs certamente não acreditava numa volta da cantora, mas a vida, sabemos, é repleta de imprevistos e em dezembro de 2022, suas páginas oficiais surpreenderam a todos com o anúncio das apresentações de 2023. Ela nasceu das cinzas, como uma fênix, que ressuscita subitamente e repleta de força, intensidade e energia, prepara-se para aventuras vindouras.

Siouxsie fez seu primeiro show no início de maio, em Bruxelas, capital da Bélgica. A setlist foi formada por clássicos da banda Siouxsie And The Banshees, tal como “Cities In Dust”, “Spellbound”, “Christine” e contou também com um ou outro single do “Mantaray”, único lançamento solo da carreira de Sioux. A seleção de faixas, infelizmente, deixou de lado músicas de três icônicos discos: “The Scream”, “A Kiss In The Dreamhouse” e “Join Hands”. Também não há nada do “The Rapture”, mas, convenhamos, esse álbum de, digamos, “despedida” dos Banshees não emplacou, não empolga, e não faz muita falta que não haja músicas dele no repertório. Podemos perceber, a partir dessas observações, que os gigs estão definitivamente voltados a um público mais amplo, sendo centrados em canções retiradas dos álbuns nos quais estão os maiores sucessos comerciais da carreira dos Banshees. Também vale notar que, lamentavelmente, embora não seja surpresa alguma, o repertório não envolve uma canção do The Creatures.

Fazendo dos palcos o seu templo sagrado, sua luz soberana, que nunca se apagou, brilha agora com mais intensidade.

De qualquer forma, independente da seleção musical escolhida, Siouxsie Sioux, vestida com trajes exuberantes criados pela estilista Pam Hogg, que potencializam seu poder e realçam sua nobre presença nos palcos, está arrasando em seu retorno, e suas performances tem sido amplamente elogiadas pelo público. Sioux continua cativante e graciosa em suas danças e ainda tem em si aquela velha habilidade de enfeitiçar os ouvintes com sua voz. Enfim: seus shows tem sido uma experiência transcendental, mágica e especial, tal como é, essencialmente, a própria Siouxsie Sioux, cuja trajetória sempre se caracterizou especialmente pela criatividade, ousadia e autenticidade, três heranças que ela carrega desde os primórdios do movimento punk. Nesse ponto de nosso texto, cabe refletir sobre uma coisa: a experiência sensorial da banda Siouxsie And The Banshees é possível sem Steven Severin e Budgie, por mais que eles façam falta. Por outro lado, seria uma experiência provavelmente impossível, incompleta, ou, no máximo, morna, sem a presença marcante da insubstituível Siouxsie Sioux.

Há alguns dias atrás, eu conversei com Braden Wright, um fã norte-americano da cantora que teve a rara oportunidade de estar “face to face” com ela - mas cabe dizer, que ele já esteve ao lado de grandes nomes do punk e do post-punk, como, por exemplo, Nick Cave e Iggy Pop. Em sua conta no Instagram, Wright comentou sobre o papel que a Siouxsie desempenha em nossa geração: “Sozinha, ela criou um arquétipo que ainda vemos em peso na era moderna. Sabemos que hoje em dia há inúmeros discípulos que tentam replicar a moda, a imagem e a atitude às quais ela deu vida há quase cinquenta anos atrás”. No papo com o Fanzine, ele refletiu: “O verdadeiro poder da música vem de sua capacidade de expressar coisas que as palavras não podem dizer. Eu poderia tentar expressar a magnitude que Siouxsie e seu trabalho com The Banshees e The Creatures tiveram em minha vida, mas eu realmente não teria muito êxito se tentasse. Quero dizer, o que mais há para ser dito? Ela é Siouxsie Sioux”.

Além de destacar a importância artística de Siouxsie Sioux, Wright nos contou como foi o encontro com a cantora, que hoje mantém uma vida discreta, longe das redes sociais, da mídia e mesmo dos fãs: “Conheci Siouxsie em Santa Monica alguns dias antes de sua apresentação programada no festival Cruel World em Pasadena. Eu nunca tive a chance de vê-la em turnês anteriores devido à minha idade, então acho que você imagina a minha emoção quando foi anunciado que ela faria sua primeira apresentação nos Estados Unidos em 15 anos. Como um ávido colecionador de autógrafos e fã de música, simplesmente fiz o que faço de melhor e tentei estar no local certo em que precisava estar para encontrar essa célebre heroína. Embora o encontro tenha sido curtinho, foi um momento repleto de doçura e imensamente marcante pra mim. Wright seguiu, descrevendo detalhadamente a ocasião: “Ao me apresentar, segurei sua mão e expressei a honra que era conhecê-la. Agradeci a ela por ser uma grande parte da minha própria juventude musical, ao que ela respondeu com um sorriso, complementado por essas palavras “foi um prazer”. Então, disse a Siouxsie que tinha um presente para ela. Falei que sabia que ela declarou uma vez que ver David Bowie se apresentar no Top of The Pops em 1972 mudou sua vida e a influenciou a se tornar uma artista. Ela respondeu “você tem razão". Foi algo absolutamente grandioso”. Quando lhe entreguei o presente, ela gentilmente o aceitou e agradeceu. Ela então concordou em tirar uma foto comigo e felizmente assinou alguns autógrafos para mim. Depois, agradeci pelo tempo e ela foi embora. Mais tarde, soube que era para conhecer Billy Idol. Pouco antes de ela sair, eu perguntei a ela: “Siouxsie, você acha que algum dia vai voltar? Eu adoraria ver você voltar e fazer uma turnê pela América”. Sua resposta foi simples: “Querido, temo que nem mesmo o futuro saiba.”

Atualmente, diante da espantosa crise enfrentada pela indústria musical, repleta de uma previsibilidade maçante que se expressa em padrões de voz, de melodia, ritmo, de rosto, de corpo e comportamento, e que não possui grandes originalidades, Siouxsie Sioux desponta como uma espécie de sibila ilustre cuja profecia desvela ao mundo uma vivência estética magnifica e rara. Fazendo dos palcos o seu templo sagrado, sua luz soberana, que nunca se apagou, brilha agora com mais intensidade do que antes. Ademais, Siouxsie confirma que o punk, principalmente enquanto estado de espírito, não está morto.

 

Braden Wright e Siouxsie Sioux em Santa Monica.

 

 

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LEMMY KILMISTER É ETERNO

 Por Juliana Vannucchi

1945 é um ano globalmente conhecido por marcar o fim da Segunda Guerra Mundial. E enquanto o mundo começava a respirar aliviado com o fim dos conflitos bélicos, nascia Lemmy Kilmister em Burslem, uma discreta cidade inglesa. Seus pais se divorciaram quando ele era novo. A mãe casou-se de novamente e a família mudou-se para o País de Gales. Foi lá que Lemmy teve seu primeiro contato e encanto pelo universo do rock and roll. E o ritual iniciático aconteceu com os Beatles, banda que Lemmy assistiu ao vivo quando tinha 16 anos. A partir de então, começou a tocar guitarra, embora posteriormente viesse a se destacar especialmente por seu talento como baixista. Foi também mais ou menos nessa mesma época que começou a abusar do álcool, perdendo-se nas doses intermináveis de Jack Daniels. E não demorou para Lemmy cheirar anfetamina. Aliás, cabe lembrar que nos primórdios de sua carreira o músico chegou a tocar no Hawkwind durante um tempo, mas teria sido expulso por seu consumo compulsivo de drogas, que incomodou os integrantes da banda. Falando nisso, os primeiros passos de Lemmy no cenário musical também lhe renderam o cargo de roadie do astro Jimi Hendrix, um dos maiores ícones do rock e da contracultura.

"Nós somos considerados uma banda da heavy metal apenas porque usamos cabelos compridos (...) Nós somos apenas uma banda de rock'n'roll". Lemmy Kilmister

O Motörhead foi fundado em 1975, quando Kilmister já estava com trinta anos, e lançou seu primeiro algum de estúdio em 1977, um dos anos mais mágicos da história do rock, no qual inúmeras bandas punks eclodiram tanto na Inglaterra, quanto não EUA. Embora o Motörhead seja comumente associado ao heavy metal, Lemmy preferia simplesmente fizer que powertrio tocava rock, sem que houvesse uma classificação definitiva. De fato, parece mais adequado fazer essa afirmação do que cair na armadilha de categorizações específicas, até porque o Motörhead foi um grupo notavelmente original no aspecto musical, tendo inclusive conquistado o respeito dos fãs de punk rock. Aliás, aqui vale citar aqui uma das histórias mais interessantes do rock: certa vez, Sid Vicious pediu para Lemmy dar aulas de baixo e o pedido logo foi aceito pelo líder do Motörhead. Mas os encontros entre os dois duraram somente três dias até que o próprio Lemmy disse que o aluno não tinha condição alguma de tocar o instrumento. Sid concordou com as palavras do mestre, e se despediu do instrutor. Poucos meses depois, se encontraram e Sid contou que havia se juntado aos Pistols (sim, mesmo não sabendo tocar direito e aparentemente não tendo talento algum). E lembremos que o Motörhead chegou a lançar um cover de “God Save The Queen”. Outro cover memorável e digno de menção foi “Heroes”, música originalmente gravada por Bowie que faleceu menos de um após o líder do Motörhead. É interessante observar que Lemmy tinha essa consideração por artistas que estavam fora da esfera do heavy metal e do hard rock, gêneros com os quais sempre foi tão associado. Inclusive, nesse contexto, é válido citar que o vocalista do Motörhead também já rasgou elogios a Flea, do Red Hot Chilli Pepears, e declarou que ele é um dos seus baixistas favoritos de todos os tempos.

"Na minha vida até agora, descobri que na verdade só há dois tipos de pessoas: aqueles que estão com você, e aqueles que estão contra você. Aprenda a reconhecê-los, pois eles são frequentemente e facilmente confundidos um com o outro". Lemmy Kilmister

A trajetória de Lemmy sempre foi um tanto polêmica, tal como é a da maior parte dos astros do rock. Drogas e sexo foram os principais elementos de sua vida fora do palco. Lemmy, inclusive, já declarou ter se relacionado com mais de mil mulheres, pois nunca se prendeu de fato a alguém e sempre passou muito tempo na estrada, e por isso buscou aproveitar as oportunidades que apareciam. O segredo para o sucesso, de acordo com o músico, é fazer as mulheres rirem e para isso, disse Lemmy, a beleza não é exatamente necessária. Mas a maior polêmica de Lemmy foi em relação a sua coleção de itens nazistas, que ele justificou como sendo itens de colecionador e sempre fez questão de esclarecer que colecionou várias outras peças antigas, não somente as que estavam ligadas à Hitler, pois seu interesse por história era grande:  O rockstar, apesar desses hábitos desregrados clichês que foram citados, tinha um lado inocente e ligeiramente infantil. Gostava muito de cavalos, adora assistir desenhos animados e amava jogar videogame. 

Lemmy é uma figura importantíssima para o rock e que nos deixou um legado incrível. Ao menos uma música do certamente Motörhead vai te cativar... É tipo um inexplicável de feitiço do qual a maior parte das pessoas simplesmente não escapa. Lemmy era querido por todos ao seu redor, e prova é que em sua última festa de aniversário estiveram presentes figuras icônicas como Steve Jones, Slash, Robert Trujillo e Billy Idol. O líder do Motörhead faleceu em dezembro de 2013 e nessa época sua saúde já estava bastante debilitada. Após sua morte, Mikkey Dee, baterista do powertrio disse que a banda chegava ao fim, pois “Lemmy era o Motörhead”. E ainda declarou: “(…) a banda vai continuar viva na memória de muitas pessoas (…) Lemmy vive no coração de todos".

"A lei morre onde o Motörhead estiver". Lemmy Kilmister

Referências:

https://www.google.com.br/amp/s/portalpopline.com.br/sete-anos-sem-lemmy-kilmister-sete-curiosidades-voz-motorhead/amp/

https://gauchazh.clicrbs.com.br/cultura-e-lazer/amp/2015/12/lemmy-facts-curiosidades-e-fatos-que-marcaram-a-vida-do-lider-do-motorhead-4940498.html

https://whiplash.net/materias/curiosidades/041290-motorhead.html

https://www.google.com.br/amp/s/revistaquem.globo.com/amp/QUEM-News/noticia/2015/12/lemmy-kilmister-do-motorhead-aparece-abatido-em-ultimas-fotos.html

https://gauchazh.clicrbs.com.br/cultura-e-lazer/amp/2015/12/lemmy-facts-curiosidades-e-fatos-que-marcaram-a-vida-do-lider-do-motorhead-4940498.html

https://revistafreak.com/lemmy-e-suas-aulas-de-baixo-para-sid-vicious/amp/
https://musica.uol.com.br/noticias/redacao/2017/08/03/bowie-e-lemmy-sempre-mitos-ouca-motorhead-fazendo-cover-da-faixa-heroes.amp.htm

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TOMMY E O PROCESSO DE AUTOLIBERTAÇÃO

 Por Juliana Vannucchi & Natália Amanda

“O sofrimento precisa ser superado, e o único meio de superá-lo é suportando-o”.

 Carl Jung

 

Tommy é um icônico álbum de estúdio lançado pelo The Who em 1969. Para muitos críticos e fãs, é a obra mais primorosa que a banda produziu durante sua longa e consistente carreira. Trata-se de uma “ópera-rock”, isto é, um álbum temático no qual as faixas narram uma história. Na década de setenta, Ken Russel produziu uma elogiável adaptação cinematográfica baseada neste referido disco, que contou, inclusive, com a participação de membros do The Who no elenco.

What about the boy?

A narrativa contada no álbum começa a se desenrolar no período da 2ª Guerra Mundial da qual participa o capitão Walker, um piloto de guerra, que ao ser convocado para servir o exército, deixa para trás Nora, sua esposa que estava grávida. Passado algum tempo, Nora acredita que Walker faleceu e envolve-se com outro homem, chamado Frank. Porém, inesperadamente, Walker retorna para sua casa e encontra Nora com o novo amante. Após uma discussão entre os três, Frank mata Walker e o pequeno Tommy presencia esse brutal assassinato de seu pai. Nora aflige-se ao perceber que a criança havia visto e ouvido tudo e eis que ela e Frank, insistentemente repetem para Tommy que ele “não ouviu, não viu e não dirá nada sobre aquilo”. Em choque e desconcertado com a situação, Tommy então, absorve essas ordens da mãe e do padrasto e, de maneira literal e se torna uma criança cega, surda e muda. Com o passar do tempo, mesmo com tais deficiências, acaba se tornando um campeão mundial de pinball... e mais do que isso: ele passa por um processo de autolibertação, sobre o qual refletiremos a seguir!

Eis Tommy, um disco que além da qualidade técnica e criativa no âmbito musical, aborda em seu percurso temático, uma série de analogias e simbolismos, e inúmeras questões profundas de cunho psicológicos. Tais aspectos podem ser identificados logo no início do álbum, no momento da história em que o protagonista Tommy, ao escutar seu padrasto e sua mãe dizendo que ele não “ouviu nada, não viu nada, e não iria dizer nada”, torna-se surdo, cego e mudo. Ou seja, inconscientemente, conforme citado acima,  Tommy incorpora, integralmente as negações que a mãe e o padrasto impuseram e, a partir do trauma vivido, configura isso para a sua realidade, isolando-se dentro de si mesmo e se afastando de tudo que faz parte do mundo exterior. Aliás, havia uma única coisa que o ligava com o mundo externo: a mesa de fliperama. O menino, ainda jovem, descobre um talento incrível para o pinball e, seguindo e se entregando à sua paixão, torna-se um jogador genial. E nessa atividade, ele não precisava de seus sentidos ausentes, apenas da sua intuição – esta sim era necessária. Logo, para vencer o jogo, Tommy seguia seus próprios instintos e era guiado por seu eu mais profundo, que se encontrava além dos sentidos convencionais. Vale mencionar aqui que, certa vez, Pete Townshend, guitarrista do The Who e autor da ópera-rock em questão, declarou que a ideia do protagonista ser surdo, cedo e mudo, era uma referência ao fato de que nossos sentidos nos limitam em relação ao conhecimento da verdadeira realidade das coisas e do infinito. 

 

Seria nossa vida uma mentira contada pelos outros, sobre aquilo que somos?

 

Tentativas fracassadas de cura:

Anos mais tarde, após Tommy ter crescido e passado um longo período de tempo com sua deficiência, inicia-se uma sequência de tentativas de cura. Primeiro, a tentativa ocorre numa Igreja, sem resultados positivos. Talvez aqui possamos encontrar uma crítica aos dogmas religiosos e suas tentativas frenéticas de domesticação dos fiéis. E ressalte-se: a religião falhou em sua tentativa de recuperar o garoto. Posteriormente, surge a “rainha do ácido”, uma mulher que representa explicitamente a clássica forma “sexo, drogas e Rock And Roll”, e injeta substâncias no rapaz. Mais uma vez, nada funciona. As drogas também foram ineficazes, o entorpecimento não funcionou. Até o momento, temos a representação de duas clássicas “válvulas de escape” e antídotos da humanidade: as drogas e a religião. Certamente, ambas desempenham um papel muito maior no processo de escravização do que numa possível libertação humana. Ademais, em sua trajetória dramática, Tommy também é vítima de bullying e de abuso dentro de sua própria família. Esse aspecto da história é relevante pois sabemos que pessoas com deficiência e/ou certas patologias são, de fato, mais vulneráveis a abusos em variados contextos e locais. 

“Estou curado, saí da escuridão silenciosa”.

O jovem Tommy é, então, por fim, levado a um médico que, após examiná-lo, faz uma declaração instigante: “Não há chances para uma cirurgia, toda esperança está com ele e não comigo”, o que deixa evidente que o problema do garoto é, de fato, de ordem psicológica e individual e que, só ele próprio é capaz de se curar, pois não há nada que terceiros possam fazer por ele. Tommy está em suas próprias mãos... a salvação não virá da Bíblia e tampouco das drogas.

Tommy, can you hear me? Tommy? Tommy?

Mas em meio a tudo isso, neste ponto, surge um aspecto interessante e bastante simbólico: o protagonista consegue enxergar toda vez que se coloca-se um espelho em sua frente. É como se seu próprio reflexo representasse sua mente e o induzisse a um mergulho dentro de sua solitária e turbulenta consciência que, aliás, é para ele a única realidade, já que o mundo externo não se apresenta para todos os seus sentidos. Há um momento então, em que, de repente, um espelho é quebrado por sua mãe e Tommy consegue finalmente libertar-se do que o prendia, livrando-se dessa maneira das dores e mágoas de seu passado. O que o acorrentava, no final das contas, conforme foi indicado pelo médico, era ele próprio, pois foi sua consciência que criou uma barreira com o mundo para que ele pudesse esquecer seu trauma. O protagonista declara entusiasmado: “Estou curado, saí da escuridão silenciosa”. E ainda: “A escuridão da minha infância passou”. A partir disso, Tommy diz que quer ensinar corações silenciosos (tal como era o seu) a falarem, pois ele afirma que as pessoas sempre tem condição de atingir esse estado de liberdade, livrando-se das portas interiores que se encontram fechadas e dos gritos sufocados que carregam em si: era uma questão de autolibertação. Não devemos, diz Tommy, nos importar tanto com a dor e com o medo, pois esses elementos integram a vida e compõe a psique de qualquer indivíduo. São componentes existenciais e não precisamos, necessariamente, nos apegar a eles como se fossem aspectos imutáveis de nossa jornada existencial. É possível olhar para o medo e para dor e a partir disso, se libertar deles. Nesse contexto, é importante ressaltar algumas simbologias que podem ser encontradas aqui: quem o salvou não foi Deus (por intermédio da Igreja), não foi um milagre e tampouco foi a Ciência (nem as injeções com drogas, nem o médico). A liberdade estava dentro dele – Tommy era seu próprio “Messias”, sua própria e única cura, ele era o artista de si mesmo. A solução não estava lá fora no mundo do qual isolou-se, mas sim dentro de si, na mais vasta imensidão de seu eu. Como o próprio protagonista profere numa faixa do álbum: “A liberdade tem sabor de realidade”.
Podemos considerar que cada um de nós é o próprio Tommy. Desde que nascemos, no decorrer de nossas vidas, mas principalmente em nossa infância, somos condicionados a nos formar de acordo com as experiências alheias, de nossos familiares e próximos e, muitos deles nos submetem a situações desamparadoras, frustrantes e alienantes, diante das quais o que nos resta é corresponder ou reagir à condição posta, afinal, enquanto ainda crianças, somos indefesos e por isso estamos sujeitos a acreditar na palavra do outro, principalmente nas palavras ditas por aqueles que mais nos afetam, seja por proteção, cuidado, ou medo, ainda é tudo o que temos, tal como o verbo que se encarnou em Tommy. No entanto, dentro de cada um de nós existe algo que é somente nosso, singular e único, o qual nos move, nos conduz e quer existir. Como no impulso do jogo de pinball, que não cessa enquanto houver o jogador...

Uma questão que devemos fazer a partir dessa reflexão é: seria nossa vida uma mentira contada pelos outros, sobre aquilo que somos? Esse álbum do The Who nos convida a pensar sobre essa questão. Torna possível refletir sobre a palavra que se manifesta em nós e nos constrói como seres humanos, refletir o mundo, as pessoas, nossas próprias crenças. Convida-nos a olhar para nós mesmos e responder, sim, eu estou aqui e quero existir a partir de mim.

Conforme consta no próprio encarte do álbum, o rico conteúdo da ópera-rock aborda temas como rejeição, bullying, ilusão, sexo, drogas, charlatanismo, assassinato, abuso, trauma e outros temas. Por fim, deixamos aqui algumas sugestões de reflexões para os leitores, rockers, amantes da Filosofia e afins. Sugerimos que assistam ao filme e escutem o disco na íntegra. Tommy é uma obra-prima inesquecível e encantadora para quem aprecia o bom e velho Rock And Roll. E claro, fundamental para quem gosta do gênero musical e também gosta perder-se em seus pensamentos...

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UMA MANHÃ COM BLIXA BARGELD

 Por Juliana Vannucchi

Colaboração: Erica Iassuda

Era uma manhã nublada de fevereiro. Há dias chovia intensamente na região de Sorocaba, no interior de São Paulo. E essa, definitivamente não era uma manhã qualquer, pois nesse dia, eu e artista paulista Erica Iassuda tivemos a oportunidade de conversar com o aclamado músico alemão Blixa Bargeld.

O papo durou aproximadamente meia hora e tentamos usar esse tempo da maneira mais proveitosa possível. Atencioso e um tanto tímido, Blixa respondeu educadamente e de maneira objetiva a todas as questões que fizemos. Uma das primeiras abordagens foi a respeito de suas passagens pelo Brasil. O entrevistado mostrou-se orgulhoso ao dizer que já esteve inúmeras vezes no país e contou, inclusive, que gravou um álbum com Nick Cave em nossas terras. Além disso, citou Caetano Veloso como um músico brasileiro que aprecia. 

 

Blixa ao lado de Nick Cave.

 

Na sequência, levando em conta seus experimentalismos estéticos e ousadias musicais, perguntamos se ele se considera um músico dadaísta, e Blixa admitiu que o dadaísmo foi importante historicamente para ele no sentido técnico. Mas apesar disso, contou que não possui uma única linha de trabalho: “O processo de criação depende do material em que estamos trabalhando”. Ainda dentro do contexto criativo, decidimos perguntar como foi sua relação com o punk rock. Segundo o músico alemão, musicalmente e estilisticamente falando, o punk rock não teve muito efeito em sua vida, mas, por outro lado, foi um gênero que, no aspecto ideológico, teve certa relevância na sua carreira porque mostrou que as pessoas poderiam fazer algo por si mesmas e ter autoridade. No entanto, ele conta que cresceu ouvindo bandas como Pink Floyd, Can e Bob Dylan e enquanto mergulhava no som dessas bandas, não esperava que um dia se tornaria músico ou chegaria a gravar um álbum: “Parecia algo tão distante de mim”. 

Blixa contou que o diretor alemão convidou Nick Cave e ele quando o filme já estava pronto.

 

Blixa, refletindo sobre sua prolífica carreira, confessou que "Round Number 2" talvez seja seu álbum menos interessante, embora tenha dito que em geral ele gosta e se orgulha de todas as suas produções. E ainda observou de maneira descontraída: “Mas meu álbum preferido é sempre o último que eu lanço”.  

Não podíamos deixar de questionar sobre a experiência de Blixa no filme “Asas do Desejo”, de Wim Wenders. Ele contou que o diretor alemão convidou Nick Cave e ele quando o filme já estava pronto. De acordo com Blixa, inicialmente, Wenders pretendia fazer um filme sobre anjos e também tinha vontade de fazer um filme em Berlim. Então uniu essas duas ideias que resultaram no longa. Falando em Nick Cave, ele lembrou ainda que deixou o Bad Seeds porque estava casado e achou que não seria saudável para o casamento continuar em duas bandas, optando assim por ficar apenas no Einstürzende Neubauten.

Blixa continua ativo no universo musical, e fora desse meio, possui uma discreta ao lado da família, para a qual gostar de cozinhar, sendo esse um dos seus hobbies.

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EM SEU NOVO ÁLBUM, DENNIS SINNED REFLETE SOBRE A CRISE DAS RELAÇÕES HUMANAS: “HOJE AS PESSOAS SÃO MEIOS PARA QUE AS OUTRAS ATINJAM SEUS FINS”

 Por Juliana Vannucchi

 Em março 2023, a banda Dennis e o Cão da Meia-noite, projeto autoral do músico paulista Dennis Sinned, lançou seu segundo álbum de estúdio, intitulado “Sobre Lealdade”.
    
O debut da banda, “Id, Ego & Outras Porcarias”, lançado em 2021, aborda como tema principal os conflitos psicológicos do eu e das relações humanas em geral. Nesta nova produção, contudo, Dennis Sinned, o poeta do caos, mestre lúgubre das palavras e dos sentimentos, apresenta como tema principal os valores que sustentam as relações modernas: “Observo que há uma crise nas relações humanas atuais que, a meu ver, estão passando por um processo de transformação que se intensificou durante a pandemia. Talvez nos dias de hoje as gerações mais novas, por exemplo, até dispensem o contato físico, já que normalmente se relacionam à distância, através das redes. Assim sendo, penso que as relações, de certa maneira, estão dentro de nós agora, sendo mais uma espécie de experiência mental, já que não se exige o contato, a troca física”. É nesse contexto que o individualismo, elemento típico da estrutura capitalista e característico das relações virtuais, aparece também como assunto abordado no álbum, conforme refletiu Sinned: “Hoje as pessoas são meios para que outras atinjam os fins que desejam. Eu chamo isso de conveniência das relações”. Esses elementos são apresentados nas letras escritas por Dennis de uma maneira profunda, pessimista e questionadora. Nesse sentido, vale fazer uma menção à última faixa, que consiste num spoken word particularmente interessante e bem surpreendente em seu formato, já que quebra um pouco o padrão musical do álbum. Conforme explica Dennis: “Essa música é como se fosse um áudio de WhatsApp, no qual um amigo envia seus desabafos existenciais a outro, reclamando justamente das conveniências humanas e, mais precisamente, queixando-se dos sofrimentos que a conveniência das relações acarreta”.

 

Dennis Sinned: “Tecnicamente falando, é o melhor álbum que já fiz”.

Entre as razões que levaram Sinned a voltar-se para o tema das relações humanas está o isolamento imposto pela pandemia, que certamente deixou cicatrizes em praticamente todas as pessoas e fez com que muitas delas avaliassem suas vidas de uma forma mais crítica. Outra razão foi o incidente de 2021. Em dezembro, justamente na noite em que realizaria seu primeiro show desde o começo da pandemia, Dennis Sinned foi brutalmente espancado por um grupo neonazista: “Isso afetou de várias formas e alterou meu modo de me socializar, de interagir e pensar no outro”, admitiu o músico.  

No âmbito instrumental, “Sobre Lealdade” é certamente a produção mais experimental da sólida carreira do músico paulista. As faixas carregam traços de gêneros diversos como Ska, Reggae e Hip-Hop, que flertam com a atmosfera pós-punk clássica que, apesar de estar alinhada com esses gêneros tão diversificados, é o fio condutor do álbum.
    
O novo álbum foi gravado nos estúdios da “Dissonância Magnética”, em São Paulo, e foi registrado pelo próprio “Dennis Sinned”. A masterização ficou por conta de “Diego de Oliveira” (“cubüs” / “Paranoia Musique”): “Tecnicamente falando, é o melhor álbum que já fiz”, observou Dennis, satisfeito com seu segundo álbum. Depois, refletiu: “É um álbum mais orgânico também. Os efeitos que usamos são analógicos”.

O músico comentou que desde o lançamento tem feito uma turnê interessante, passando por vários lugares do país: “Estivemos em Minas Gerais, tocando em Juiz de Fora, em São José dos Campos e até mesmo em Brasília”. O álbum está disponível em todas as plataformas digitais (“Spotify”, “Deezer”, “Bandcamp”, “Plainsong”, “Tidal”, “Apple Music” e outras.

 

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RUÍDO QUE DESORGANIZA: CONHEÇA O NOVO EP DO BALLET CLANDESTINO

 Por Juliana Vannucchi

A cena brasileira de música independente segue em alta com o surgimento constante de novas bandas e com a persistência de grupos tradicionais, como o Ballet Clandestino, que com mais de uma década de carreira, permanece consistente nos palcos e firme na qualidade de suas produções musicais. 

Em 2012, enquanto muitos conspiracionistas se preparavam para o fim dos tempos, o Ballet Clandestino se preparava para dar os primeiros passos de uma carreira musical bem sucedida. Era o início de uma trajetória longa, que está completou dez anos em 2022. 

A banda surgiu no meio das sombras e da atmosfera funesta do caos urbano que rege a cinzenta capital paulista. No início, o grupo era composto por Vinícius Primo (guitarra e voz), Natan (baixo e voz) e Cecília (bateria). Não demorou muito para que a baterista fosse substituída por Rocero e este, por sua vez, deixou o trio em 2019, quando Tiofrey assumiu as baquetas. 

Desde os primórdios, gradualmente a banda foi crescendo e se consolidando como uma das principais representantes do pós-punk nacional. Na bagagem, o Ballet Clandestino carrega uma discografia composta por 4 EPs, todos lançados em formato físico. De modo geral, as músicas mesclam distorções e ruídos com versos reflexivos sobre o cotidiano nas grandes cidades e seu desfecho existencial. Nas letras, de maneira geral, encontramos temas politizados e sentimentais, como menções ao tempo que se esvai no trabalho sufocante e mecânico que tange o sistema capitalista, além de menções ao visual mórbido do meio urbano e referências ao consumismo desenfreado, à solidão, etc. 

Neste início de março, a banda paulistana, uma das mais icônicas da história do pós-punk nacional, presenteou os fãs com o lançamento de seu novo EP, intitulado “Ruído Que Desorganiza”, nome originado a partir de uma faixa chamada “Ruído”. Vinicius Primo, guitarrista e vocalista do Ballet Clandestino, explica o significado do título: “É um nome que, de certa maneira, sintetiza um pouco a nossa intenção enquanto criadores de música (ou ruído). Além do que, nesse momento de crescente avanço das ideias conservadoras, temos que ser o ruído, ou seja, aquilo que incomoda, que desorganiza. Temos que ser a subversão desses valores que oprimem e esmagam quem nasceu pobre”.

 A última produção original da banda data de 2020, ano em que o trio se afastou dos palcos em função da pandemia. Esse período, contudo, não foi infrutífero, pois os integrantes continuaram ativos em suas casas, esboçando ideias de riffs, de letras e esboços para novas faixas. Consequentemente, o lockdown teve reflexos diretos no EP de 2023, conforme nos contou Vinicius: “O último EP que lançamos foi em 2020, durante a pandemia, e de lá pra cá, como não estávamos fazendo shows e nem ensaiando, devido às restrições da pandemia, acabamos cada um na sua casa tendo várias ideias que estavam soltas e, conforme fomos retomando os ensaios, começamos a dar continuidade a esses riffs, vendo o que seria mais legal, o que fluía melhor, até realmente concluir uma música com letra e tal. Óbvio que no meio de tudo isso alguns riffs foram descartados, outros perdidos (rsrs) e outros optamos por não usar”. Natan, baixista do grupo, considera que esse foi o trabalho mais bem gravado da história da banda, embora também, justamente em função da pandemia, tenha sido o mais longo e doloroso: "Os ensaios foram espaçados e tomamos os cuidados necessários para evitar uma possível transmissão da covid. Longos ensaios deram origem a um grupo de músicas, elegemos os quatro sons para a gravação. O resultado final superou nossas expectativas". 

 

O Ballet Clandestino segue firme como uma das bandas mais duradouras, cults e interessantes do pós-punk nacional

 

Para dar vida ao EP “Ruído Que Desorganiza”, a banda procurou Luis Tissot, que já havia produzido os 2 EPs anteriores (“Impróprio Necessário”, de 2018, e “Descompasso Cinza”, de 2020) e que ao ser contatado pela banda, logo sugeriu que o grupo gravasse o novo material no Estúdio Aurora. A esse respeito, Vinicius comentou: “Pra mim, o fato de termos tocado lá, juntamente com a produção do Luis, foi uma combinação ideal que fez toda a diferença no resultado final”.

 De modo geral, a sonoridade do álbum lembra o New Order em seus primórdios, mas é mais sombria e menos eletrônica do que as produções embrionárias da banda inglesa. Mesmo com essas diferenças, nada nos impede de apelidar o Ballet Clandestino de “New Order Tropical”, sem deixar de esclarecer, no entanto, que a banda brasileira é mais charmosa, possui linhas de guitarra mais cativantes e é, definitivamente, mais intelectualizada do que os britânicos. Para Tifery, baterista da banda, esse é "o álbum mais criativo e corajoso do Ballet Clandestino. A gente tentou coisas diferentes, buscou algumas outras influências e o resultado foi bem satisfatório". Nas letras, percebemos um desabafo sentimental pautado em preocupações sociais, dramas existenciais e problemas urbanos. De acordo com os integrantes, as canções centram-se em assuntos diversificados e não possuem nenhuma conexão temática entre si, sendo que todos os integrantes participaram ativamente da composição lírica. Sobre esse aspecto do álbum, Vinicius declarou: “As letras se deram de forma subjetiva e bastante poética, para expor nossas aflições em relação ao que nos incomoda no dia a dia, nesse modus operandi do mundo”. Natan, refletiu sobre o conceito de "ruído" em meio ao contexto cotidiano da capital aulista: a buzina de um carro diz se podemos avançar ou parar, a sirene de uma ambulância sinaliza atenção, um trovão é o prenúncio de que vai chover, então corra! Ou pegue um guarda-chuva. As palavras em coro em uma manifestação na avenida Paulista falam sobre lutas, reivindicações por melhorias. São barulhos, são ruídos que bloqueiam, sintonizam, organizam e desorganizam. Os sons que as cidades apresentam dizem muito sobre ela, e sua ausência pode significar alguma repressão. Escute o barulho da cidade, escute Ballet Clandestino. 

 

Capa do novo EP da banda

O EP é empolgante e suas faixas enérgicas mantêm a clássica assinatura dark e funesta que sempre acompanhou o grupo ao longo de seus dez anos de existência. As músicas são tão melancólicas que temos a impressão de que a composição foi feita com auxílio de Arthur Schopenhauer, enquanto o filósofo esboçava as primeiras linhas do livro “As Dores do Mundo”. Em “Ruído Que Desorganiza”, encontramos uma sequência de melodias saborosas e, apesar do clima sombrio, as atraentes linhas de guitarra portam aquela tradicional selvageria punk. Esse conjunto faz qualquer coração instintivamente se agitar, reagindo espontaneamente às emoções desencadeadas pelas músicas da banda. 

Com essa nova produção digna de elogios, o Ballet Clandestino segue firme como uma das bandas mais duradouras, cults e interessantes do pós-punk nacional, que em sua genética carrega a resistência, o talento e a criatividade. Os trabalhos da banda despertam um interesse cada vez mais crescente, e a sua contribuição legada ao universo da música independente é digna de administração. Precisamos reconhecer o êxito do Ballet Clandestino, que evolui cada vez mais, tanto em relação às gravações e produções, que contam com uma qualidade refinada, quanto em relação aos shows realizados, que têm  uma adesão cada vez maior por parte do público brasileiro. Perguntei a Natan o que podemos esperar da banda no restante do ano. A resposta do baixista foi segura e repleta de entusiasmo: "Pretendemos ir o mais longe possível com a música, tocar em espaços onde ainda não tocamos. Queremos tocar fora de São Paulo e até o final do ano esperamos que esse projeto aconteça". O novo da EP da banda está disponível nas plataformas digitais.

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